Amphithéâtre du mûrier

Dans le cadre du séminaire Arp, Étienne Chambaud présente ses derniers travaux. Son travail consiste principalement en une recherche sur les frontières ou les limites entre formes, objets, gestes et discours, ce que l’artiste appelle une « Écologie des Séparations ». Sa pratique artistique est un lieu de rencontre, de mises en tension et conflits de différents champs de la connaissance et formes de pensées.

Étienne Chambaud mène une carrière internationale, il conçoit et réalise des expositions personnelles telles que Incomplit en 2016, à la galerie Labor (Mexico) ou Noeuds négatifs à la Kunsthalle en 2018 (Mulhouse). Il participe à des expositions collectives au Mamco (Genève) en 2015, au Macba (Barcelone) en 2016, au Mamm (Medellin) en 2017, au Gavin Brown’s Enterprise (New York) en 2017, à la Whitechapel Gallery (Londres) en 2018. 

Amphithéâtre des Loges
Entrée libre

Les photographies de l’artiste allemand Thomas Demand sont montrées et collectionnées par de nombreux musées internationaux. Mais depuis une quinzaine d’année, son travail de commissaire ou de scénographe d’exposition est tout aussi remarquable et ses expérimentations dans ce champ comptent désormais parmi les références les plus commentées. La conférence qu’il donnera aux Beaux-Arts de Paris est entièrement consacrée à cet aspect de son œuvre et il reviendra à cette occasion sur des expositions comme La carte d’après nature au Musée national de Monaco, L’image volée ou The boat is leaking. The capitain lied à la Fondation Prada ainsi que sur sa collaboration au long cours avec l’agence d’architecte Caruso St John, notamment dans le cadre d’expositions à la Neue National Galerie de Berlin ou au Kunsthaus de Bregenz.

Conférence en anglais
Dans le cadre du cycle « Scénographie d’exposition » à l’initiative de Thierry Leviez (B.A.) et Yann Rocher (Paris Malaquais).

Amphithéâtre des Loges

Charlotte Bayer-Broc et Olivier Cheval commencent leur collaboration aux Beaux-Arts de Paris, tous deux étudiants dans l’atelier de Marie-José Burki, où ils cosignent la vidéo Un abécédaire de la guerre. Ce travail commun se poursuit au Studio national du Fresnoy : Olivier Cheval y monte les deux films de Charlotte Bayer-Broc, l’opéra populaire chilien Los Diablos azules, sur la répression sanglante d’une grève au début du siècle, et la tragédie de science-fiction Les têtes de mort d’Arkana ; Charlotte Bayer-Broc est quant à elle première assistante du Songe de Lady Hamilton, adapté d’épisodes picaresques du Voyage en Italie de Goethe. Dans ces trois films, elle interprète un personnage de diva à qui revient d’exprimer, par le chant, par le cri ou par le geste, la violence de l’histoire.

Cette diva pourrait prendre place dans le cortège de figures blessées décrites par Olivier Cheval dans son premier livre issu d’une thèse de doctorat, Le Partage de la douleur. Une impolitique du film.

Les têtes de mort d’Arkana de Charlotte Bayer-Broc (2017, 28 min)
Le Songe de Lady Hamilton d’Olivier Cheval (2018, 22 min)

Amphithéâtre des Loges
À l’invitation de Sophie Marino, chargée de cours aux Beaux-Arts de Paris

"Le monde change, c’est une évidence. Une autre évidence est que nous ne comprenons pas la mutation qui est en cours. Le degré de complexité augmente, la vitesse aussi. Et nous laissons à d’autres les rênes du changement. Avez-vous déjà observé les créateurs des outils qui façonnent notre expérience quotidienne ? A quelques exceptions près, le constat est flagrant : homme, blanc, ingénieur, américain. Leurs narrations sont en train de bâtir un monde efficace et désincarné, facile d’accès et régit par la loi du résultat. Est-ce bien tout ce que nous souhaitons pour les années à venir ?

Si nous voulons apporter notre pierre à l’édifice, il faut le faire maintenant. Il n’y pas de temps à perdre. Cela concerne tout le monde : mais avant tout les artistes, les medias, et les pouvoirs publics. Comment ? Prendre la parole est un bon point de départ, certes, mais cela ne suffit pas. Trop de distractions, trop de bruits de fond. Aujourd’hui pour se faire entendre, il est nécessaire de concevoir des contre narrations – toutes aussi cohérentes, solides et lisibles – capables d’agir de manière incisive sur le présent.

Se réapproprier l’espace symbolique et apprendre à le rendre agissant – voici la première forme de résistance, et une authentique source de pouvoir. Dans cette perspective, je proposerai différents parcours narratifs – de Caravaggio à Rosa Parks, du bouclier d’Achille au journalisme d’investigation de Nellie Bly, des symphonies de Beethoven au mouvement #Metoo – et j'avancerai cinq propositions concrètes pour insérer notre œuvre dans un récit qui fait sens."

Amphithéâtre du mûrier

Le début de l’activité de l’artiste est plein d’écueils à éviter, les multiples sources d’informations dont il dispose, ne prenant pas prioritairement en compte son intérêt, risquant même de le perdre en chemin.

Or pour un plasticien, maîtriser les conditions d’exercice de son activité est une des clefs essentielles pour sécuriser son parcours professionnel. Dans cette conférence seront posées quelques balises élémentaires qui pourront clarifier et simplifier les démarches administratives initiales incontournables :
→ quand peut-on considérer qu’on a débuté son activité d’artiste-auteur-e ? Auprès de quel organisme le déclarer et pourquoi ?
→ le régime social des artistes-auteurs et les organismes qui le gèrent (Mda et Agessa) : quelles démarches pour s’y affilier, pour quels droits ?
→ qu’est-ce qu’un revenu artistique ?
→ comment déclarer ses revenus artistiques aux impôts de manière adéquate par rapport à sa situation professionnelle (les différentes options fiscales et leurs effets) ?
→ pourquoi tenir une comptabilité ?

Laëtitia Bourget est plasticienne depuis 1997. Polyvalente, elle a exploré un éventail plutôt large de formes artistiques et de situations professionnelles associées, à la fois dans le domaine des arts plastiques, de l’audiovisuel et de la littérature jeunesse. Elle est membre du Caap (Comité des Artistes Auteurs Plasticiens) depuis 2003. À ce titre, elle accompagne ses pairs sur les problématiques de profession, et les représente au sein de différentes instances décisionnaires.

Amphithéâtre des Loges
À l’invitation de Sylvie Fanchon, professeure aux Beaux-Arts de Paris

Les postféminismes ont déconstruit le féminisme traditionnel qui ne parlait pas des femmes mais de la femme comme une entité spécifique ; il ne rendait pas compte de la diversité des statuts et des orientations sexuelles des femmes et des hommes transgenres et cisgenres et des personnes intersexes. Partout dans le monde, des féminismes s’affirment. Malgré leurs prises de parole rendues accessibles sur internet, leur portée n’est pas complètement effective parce qu’elles ne sont pas toutes traduites. La France accuse un retard considérable sur ces questions. Nous ne pouvons plus attendre. Si l’Histoire était repensée et réécrite selon ce point de vue inclusif, quels en seraient les récits ?

Nous avons choisi de contourner l’Histoire (History) pour proposer de nouveaux récits, de nouvelles voix et de nouvelles archives sur : Herstory. Nous, artiste et historienne de l’art, souhaitons nous engager pour rendre visible, faire circuler et archiver les paroles féministes. L’art, territoire supposément inventif, subversif et progressiste, connaît, comme le reste de la société, un retard impossible à négliger. Herstory, définie comme une exposition d’archives, fait entendre les voix de féministes hommes et femmes cisgenres, transgenres et intersexes du monde entier. Julie Crenn est critique et commissaire d’exposition, Pascal Lièvre est artiste.

Amphithéâtre des Loges
À l’invitation d’Olivier Blanckart, professeur aux Beaux-Arts de Paris

Né en Italie en 1958, Saverio Lucariello se forme à l’école des Beaux-Arts et à la faculté d’architecture de Naples. Il commence à exposer au début des années 1990. Son oeuvre, iconoclaste et grotesque, s’appuie sur la dérision et sur l’exubérance pour développer une mordante critique du discours sur l’art. Qu’il s’attaque à la figure de l’artiste démiurge en incarnant notamment des personnages au mysticisme improbable, ou rejoue l’histoire de la philosophie à l’aune du quotidien et de ses objets, Saverio Lucariello met en place un processus d’évacuation parodique du sens.

Multipliant les techniques (vidéo, sculpture, peinture, photographie, performance, écriture…) il se définit comme un artiste conceptuel et surréaliste, baroque et ringard, pataphysique et poétique.

Dans l’ouvrage qu’il a consacré à l’« idiotie », le critique et commissaire d’exposition Jean-Yves Jouannais écrit : « L’idiotie des images de Saverio Lucariello est hermétique à sa manière. Le sens y est masqué parce qu’absent. Leur explication entraîne au mieux à un détour, à une impasse plus généralement. Aucune échappatoire tant les possibilités de racheter l’ensemble par quelque lecture métaphorique, onirique, distanciée, promettent, s’il se pouvait, toujours d’avantage de consternation. Elles se donnent à voir comme autant de rituels dont la symbolique a été oubliée en chemin. Seules demeurent, comme spectacle, l’absurde de liturgies, de chorégraphies qui, muettes, s’apparentent non plus au sérieux sectaire du symbolisme en tant qu’école, mais au comique saisissant de Buster Keaton. » (L’idiotie, Beaux-Arts Magazine Livres, Paris, 2003.).

100 ans après sa naissance en 1918, 50 ans après sa dissolution en mai 68, l’association des anciens élèves des Beaux-Arts de Paris reprend forme, sous le nom : Le Cercle Chromatique.
Le Cercle Chromatique vise à rassembler, soutenir et mettre en avant les anciens des Beaux-Arts de Paris partout dans le monde, en créant des liens intergénérationnels et des passerelles entre toutes les pratiques artistiques issues des Beaux-Arts.

Des rendez-vous réguliers les samedis après-midi, donnent carte blanche à des anciens de l’École.

Amphithéâtre de Morphologie
Samedi 19 janvier, 16h - 18h Le nom et la couleur : le vert. Le Vert Véronèse.
Une proposition de Charlotte Guibé, Guillaume Cassegrain, historien de l’art et Adrien Couvrat, artiste.

Amphithéâtre du mûrier

La société contemporaine – connectée et médiatisée – valorise la création. On assiste à une libération de l’intérêt pour l’art, une explosion du nombre d’artistes tandis que les systèmes de marché deviennent plus complexes. Dans ce contexte, des questions se posent sur l’évolution du rôle de l’artiste, son économie, sa visibilité.

L’ensemble de l’oeuvre de Fabrice Hyber est conçu sous la forme d’un gigantesque rhizome qui se développe sur un principe d’échos. En procédant par accumulations, hybridations, mutations, l’artiste opère de constants glissements entre des domaines extrêmement divers. Chaque oeuvre n’est qu’une étape intermédiaire et évolutive de ce « work in progress » qui se répand comme une prolifération de la pensée, établissant des liens et des échanges qui donnent ensuite lieu à d’autres articulations.

« Prothèse mentale qui prolonge la pensée par le corps » ou « entreprise mettant en réseau des individus, des idées et des savoir-faire », son oeuvre répond à de multiples définitions. Fabrice Hyber valorise le rôle de l’artiste comme réalisateur, entrepreneur et médiateur, toujours sur plusieurs projets à la fois ». (Extrait de Réseau d’artistes en Pays de Loire).

Amphithéâtre du mûrier
En collaboration avec le Théâtre de la Cité internationale

Maëlle Dequiedt est titulaire d’un master en études théâtrales à l’université Paris 3 – Sorbonne. Durant ses études, elle joue comme violoncelliste et comédienne dans des projets mis en scène par Éloi Recoing et Olivier Broda. En 2012, elle est stagiaire assistante au comité de lecture du Théâtre du Rond-Point. En 2013, elle entre en section « mise en scène » au Théâtre National de Strasbourg. Elle se forme à la direction d’acteurs auprès de nombreux intervenants parmi lesquels Christian Burgess, Arpad Schilling, Stuart Seide, Jean-Yves Ruf. Au cours de ce cursus, elle est assistante à la mise en scène auprès de Julie Brochen, Thom Luz, Séverine Chavrier et Thomas Jolly. Elle met en scène au sein de l’école Penthésilée d’Heinrich von Kleist, Trustkaraoké panoramique d’après la pièce de Falk Richter et Au bois de Claudine Galea, projet itinérant pour trois acteurs. Depuis septembre 2016, elle est en résidence à l’Académie de l’Opéra national de Paris.

Elle met en scène Pupilla, de Frédéric Vossier, autour de la figure mythique d’Elizabeth Taylor, au Théâtre de la Cité internationale, du 11 au 31 janvier 2019. Travaillé par une puissante énergie souterraine, le texte de Frédéric Vossier traduit le violent désir de cette femme hors-cadre, interprétée par Laure Werckmann

Amphithéâtre du mûrier

Depuis quelques années, de nouveaux paramètres remettent en cause le système traditionnel des galeries et leur niveau d’engagement auprès des artistes. Certaines d’entre elles tentent de formuler un contre poids, par l’organisation d’écosystèmes de résistance à la toute puissance des grandes foires et méga-galeries.

La Galerie Jérôme Poggi mène un travail de prospection orienté tant vers la jeune création contemporaine que vers des figures plus repérées, voire historiques, dont elle soutient le processus de reconnaissance aussi bien dans la sphère économique que critique et historique.

Jérôme Poggi, critique et historien de l’art a créé sa galerie en 2009, avec Peter Bertoux à ses débuts. À l’origine située dans le quartier de la Gare du Nord à Paris, elle s’est déplacée dans un espace de 150 m2 en face du Centre Pompidou dans le quartier du Marais, au printemps 2014. Jérôme Poggi dirige aussi la structure « Objet de production », association sans but lucratif ayant pour vocation de faire apparaître et promouvoir toute forme d’art, aussi bien dans l’espace public que privé, notamment par le biais de la commande, dans le cadre de l’action des « Nouveaux commanditaires » initiée par la Fondation de France

Amphithéâtre du mûrier

Julien Creuzet explore différents héritages culturels, associant le plus souvent poésie, chant, photographie, film et installation. Il combine ces médiums comme des langues qui s’enrichissent mutuellement ; leur (mé) tissage fait advenir des espaces, des coïncidences, des jeux à la fois précis et lâches qui laissent libre cours à l’imaginaire.

Son oeuvre nous montre que ni l’identité de l’individu ni l’identité collective ne sont figées. L’échange se fait avec l’autre, sans reniement de soi. Julien Creuzet organise des passerelles entre les imaginaires de l’ailleurs, les réalités sociales de l’ici et les histoires minoritaires oubliées.

Né en 1986 au Blanc-Mesnil, Julien Creuzet est diplômé des Beaux-Arts de Caen, du post-diplôme des Beaux-Arts de Lyon et du Fresnoy-Studio national des Arts contemporains. En 2017, il a participé à la 11e édition des Rencontres de Bamako et à la 14e Biennale de Lyon et, en 2018, à la 6e Biennale de Rennes et à l’exposition Le Centre ne peut tenir à Lafayette Anticipations. Des expositions lui ont également été consacrées à la Fondation d’entreprise Ricard et à Bétonsalon en 2018.

Caro Sposo donne carte blanche à Julien Creuzet pour imaginer un programme liant sa pratique vidéo à celles d’artistes dont il est proche.

Amphithéâtre des Loges

Dans le cadre de la préparation de l’exposition La voix libérée au Palais de Tokyo (21 mars – 12 mai 2019), Eric Mangion évoquera l’histoire et l’évolution contemporaine de la poésie sonore.

La poésie phonétique puis sonore a toujours représenté dans le XXe siècle et encore aujourd’hui un acte d’émancipation. Quitte à abandonner parfois la sémantique, les avant-gardes en ont fait le fer de lance de leur lutte contre les systèmes, les croyances et les dogmes. Que reste-t-il aujourd’hui de ces luttes héroïques ? Des mythes et des légendes. Mais les temps ont changé, les combats aussi. Les utopies n’ont plus le même visage.

Les nouvelles technologies ont envahi aujourd’hui l’espace du langage, pour le meilleur ou pour le pire. Pour le pire en imposant une rationalisation digitale des mots et des sons. L’Anglais de Shakespeare devient celui de Wall Street. Pour le meilleur en offrant au langage des sources et des outils infinis. Depuis les années 1950, les progrès technologiques ont ainsi permis à la poésie phonétique de devenir sonore.

Eric Mangion est directeur du centre d’art de la Villa Arson à Nice, critique d’art et cofondateur de la revue www.switchonpaper.com/