Amphithéâtre des Loges
de 9h à 18h

Des chercheurs, des acteurs du monde associatif, des commissaires d’exposition et des artistes, français et syriens, témoigneront des effets de la révolution, de la guerre et de l’exil sur la scène de l’art contemporain syrien et ses productions visuelles.

Session 1 : L’art en Syrie avant 2011, entre le poids de la censure et l’émergence d’un marché, avec l’anthropologue Frank Mermier, la commissaire d’exposition Delphine Leccas et le photographe Mohamad Al Roumi.

Session 2 : Les nouveaux lieux de l’art syrien, sur les routes de l’exil et à l’ère des réseaux, avec l’historienne de l’art Laurence Bertrand Dorléac, la commissaire d’exposition Alma Salem, l’artiste et historienne de l’art Ola Abdallah et les étudiants syriens de l’école nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris.

Session 3 : L’art comme expression politique ou les inventions de l’activisme et des initiatives citoyennes, avec l’éditeur et fondateur de l’association Souria Houria Farouk Mardam Bey, la graphiste et fondatrice du site Creative Memory of Syrian Revolution Sanaa Yaziji, la politologue Cécile Boex et l’artiste et historienne de l’art Nour Asalia.

Session 4 : L’art au Moyen-Orient entre résistance et résilience avec Pauline de Laboulaye, présidente de l’association Portes ouvertes sur l’art d’ailleurs et d’ici, le directeur du programme La Culture comme résistance à l’Université de Beyrouth Hassan Abbas, le commissaire d’exposition et directeur de la fondation Al Ma’mal à Jérusalem Jack Persekian, les artistes Azza Rabo Rebieh et Randa Maddah. Synthèse finale par la chercheuse en littérature comparée à Paris-Diderot Catherine Coquiot.

(Traduction simultanée français-arabe)

En Partenariat avec la Maison des arts de Malakoff, avec le soutien de l’Académie des Beaux-Arts et des fondations Antoine de Galbert, Clarence Westbury et Atassi Foundation

À l’initiative du collectif des Portes ouvertes sur l’art d’ailleurs et d’ici (Ola Abdallah, Paula Aisemberg, Dunia Al Dahan Véronique Bouruet Aubertot, Pauline de Laboulaye, Randa Maddah, Véronique Pieyre de Mandiargues).

Amphithéâtre de morphologie
Entrée libre

100 ans après sa naissance en 1918, 50 ans après sa dissolution en mai 68, l’association des anciens élèves des Beaux-Arts de Paris reprend forme, sous le nom : Le Cercle Chromatique.

Le Cercle Chromatique vise à rassembler, soutenir et mettre en avant les anciens des Beaux-Arts de Paris partout dans le monde, en créant des liens intergénérationnels et des passerelles entre toutes les pratiques artistiques issues des Beaux-Arts.

Le Cercle Chromatique vous propose des rendez-vous les samedis après-midi, en donnant carte blanche à des anciens de l’École.

www.lecerclechromatique.org

Courser le soleil (ouvrir le cercle, faire tourner le disque)
Une proposition de Guillaume Aubry, artiste et architecte.
Architecte et artiste, résident du programme de recherche La Seine de l'ENSBA en 2007-09, Guillaume Aubry poursuit depuis plusieurs années une réflexion autour des enjeux de l'expérience du paysage, de la figure du spectateur et du tourisme comme potentielle pratique artistique.

Amphithéâtre du mûrier

Entre archives et supports de représentation, les images de vues d’exposition ont une fonction documentaire dont la complexité est renforcée par la grande diversité de leurs auteurs. Cette fonction interroge singulièrement l’acte d’exposer à la fois dans le champ de la recherche, de la théorie et de la critique, autant qu’au niveau des pratiques artistiques, muséographiques et curatoriales.

Les vues d’exposition ne contribuent plus seulement au discours sur l’art, mais participent pleinement au discours de l’art. Par le canal de la numérisation des archives visuelles, l’histoire des expositions s’est désormais inscrite dans les « visual studies ». Elle alimente en parallèle le développement de « curatorial studies ». Elles proposent dès lors des sources essentielles pour nourrir la recherche au sein des écoles d’art.

Rémi Parcollet est historien de l’art. Il travaille sur l’histoire des expositions à partir d’une approche contemporaine des archives visuelles. Il a dirigé l’ouvrage Photogénie de l’exposition publié chez Manuella Édition (mai 2018) et codirige la revue Postdocument depuis 2010.

organisé par Beaux Arts Magazine et la Fondation du patrimoine en partenariat avec les Beaux-Arts de Paris

mardi 5 mars de 18h30 à 22h dans la cour vitrée

Dans le grand débat lancé en décembre dernier par le Président de la République, la culture est absente des quatre thématiques identifiées comme les enjeux majeurs de la nation. Voilà pourquoi Beaux Arts Magazine, le Quotidien de l’art et la Fondation du patrimoine ouvrent un débat sur la culture via la plateforme en ligne granddebatculture.fr, où, avant le 15 mars, chacun est invité à s’exprimer, à proposer des idées.

Pour favoriser ce débat, trois enjeux nationaux ont été identifiés : la culture pour tous, l’éducation artistique et culturelle et enfin le patrimoine.

En parallèle tous les Français sont appelés à organiser des débats publics. Deux débats sont d’ores et déjà proposés :

- Le 1er aux Beaux Arts de Paris, mardi 5 mars (18h30 > 22h),
- Le 2e au CENTQUATRE-PARIS, dimanche 10 mars (16h > 20h).

Toutes les personnes souhaitant venir exprimer leur avis ou assister à ces débats sont les bienvenues sans inscription préalable dans la limite des places disponibles. 

À l’issue de cette consultation, les résultats seront publiés et communiqués au Président de la République et au Ministre de la Culture.

Venez nombreux !
Entrée libre

Amphithéâtre du mûrier

Sacha Léopold et François Havegeer, graphistes, travaillent à Paris sous le nom de Syndicat, depuis 2012.
À ce titre, ils collaborent avec des artistes et des institutions culturelles à la production d’objets imprimés.

En 2016, ils fondent la maison d’édition Empire, au sein de laquelle ils rééditent la Norme graphique de la NASA (2016) et collaborent avec l’artiste Yonatan Vinitsky à la conception de l’ouvrage The middle of the world (2017).
Ils éditent également la revue bimensuelle Faire, revue critique et analytique des formes et activités liées au graphisme.
Syndicat a réalisé le commissariat des expositions : « Monozukuri : formes d’impression » en 2012, « Monozukuri : façons et surfaces d’impression » en 2013, « Ce n’est pas la taille qui compte » (Maison d’Art Bernard Anthonioz, MABA, 2018) et a participé aux expositions « Les Magiciens de la terre, retour sur une exposition légendaire » au Centre Pompidou, en 2014 et « L’usage des formes » au Palais de Tokyo, en 2015.

Ils évoqueront les différents projets menés au sein de leur studio.

À l’invitation
d’Aurélie Pagès et de Julien Sirjacq, professeurs aux Beaux-Arts de Paris
et Catherine de Smet, maître de conférences à Paris 8

Amphithéâtre des Loges

Au terme de vingt ans de fascisme, d’une guerre mondiale et d’une guerre civile, les musées italiens se sont trouvés au coeur des projets de reconstruction de la démocratie italienne. Les propositions formulées et réalisées pendant une vingtaine d’années par les architectes, les historiens de l’art, les conservateurs de musées italiens ont stupéfié le monde par leur radicalité et leur ambition. Que pouvons-nous en apprendre aujourd’hui ?

Patricia Falguières est ancienne élève de l’École normale supérieure (Paris), membre de l’École française de Rome de 1985 à 1989, agrégée et docteure en histoire et professeure à l’École des hautes études en sciences sociales à Paris. Ses travaux ont porté sur la philosophie et l’art de la Renaissance, les classifications, les encyclopédies, les index, ainsi que sur la naissance du musée dans l’Europe moderne, enfin, sur le Maniérisme. Elle a publié de nombreux essais dont Les Chambres de merveilles (2002) ou l’édition française du classique de Julius von Schlosser, Les cabinets d’art et de merveilles de la Renaissance tardive (2013). Parallèlement elle intervient régulièrement, par ses articles et ses essais, dans le champ de l’art contemporain, qu’il s’agisse d’approches monographiques ou d’essais sur l’art conceptuel, les relations de l’art et du théâtre au XXe siècle. Elle a assuré l’édition critique du classique Inside the White Cube de Brian O’Doherty, en langue française (2008).

Dans le cadre du cycle Scénographie d’exposition
proposé par Thierry Leviez, responsable de la programmation artistique
des Beaux-Arts de Paris et Yann Rocher,
architecte, enseignant à l’école d’architecture Paris-Malaquais

Amphithéâtre des Loges

La violence des performances de Marina Abramovic, Gina Pane, ou Carolee Schneemann marque les origines de la performance. Féministe ? contestataire ? politique ? anthropologique ? Il demeure aujourd’hui encore difficile d’assigner une signification univoque à ce qui peut relever chez Pane ou Abramovic de l’automutilation, chez Schneemann d’une sape des représentations classiques et hiérarchisée du corps humain. On oublie en général le contexte fondateur de ces actions : le mouvement intellectuel massif qui fut celui de l’antipsychiatrie, de Ronald Laing à la figure emblématique d’Artaud. Que ce qui est qualifié parfois de proto-féminisme ait à voir avec une pensée à la fois politique et humaniste portée à la marge, celle de la psychose, n’est peut-être pas un hasard. Les cas de Carolee Schneemann et de Marina Abramovic serviront de fil conducteur à notre propos.

Émilie Bouvard, historienne de l’art, conservatrice du patrimoine au Musée Picasso.

Amphithéâtre du mûrier

Marin Karmitz rentre à l’IDHEC en 1957 et devient chef opérateur. Assistant réalisateur sur Merci Natercia, un film sur commande de Pierre Kast, son travail est ensuite remarqué dans Les Honneurs de la guerre de Jean Dewever en 1960 et lui permet d’assister Agnès Varda, dans Cléo de 5 à 7. Sur le tournage, il croise Jean-Luc Godard, qui lui confie le poste d’assistant sur La Paresse l’un des segments du film Les Sept Péchés capitaux en 1962.

Il réalise en 1964 son premier court-métrage, Nuit noire, Calcutta, d’après un scénario de Marguerite Duras, puis adapte la pièce Comédie avec Samuel Beckett en 1965, qui fait scandale au festival de Venise en 1966. Karmitz crée sa maison de production Mk2 productions en 1967, d’abord exclusivement consacrée aux courts métrages. Après Mai 68, membre du mouvement maoïste la gauche prolétarienne, il réalise des films militants : Sept jours ailleurs (1969), Camarades (1970) et Coup pour coup (1972).

Il est aujourd’hui à la tête d’un important réseau de salles de cinéma (MK2). Il est collectionneur d’art. Une partie de sa collection a fait l’objet d’une exposition, « Etranger résident », en 2018 à la Maison rouge.

Amphithéâtre du mûrier

Au début des années 1960, l’Op Art crée l’émulation. Graphistes publicitaires, décorateurs de la télévision, arrangeurs de vitrines et couturiers s’emparent de sa géométrie euphorisante à base de damiers renflés, rayures, pois sautillants et cibles concentriques, au point de lui prêter parfois un destin décoratif. Mais dans le même temps, un autre art lui assigne un renouveau profond : le cinéma. Les auteurs de genres les plus variés exploitent son génie des formes. Par quel magnétisme le cinéma et l’Op Art sont-ils liés ? Expériences limites, visions impossibles, érotisme sadique, pulsion scopique. Nous reviendrons sur ce qui se joue dans ce phénomène de récupération inédit.

Pauline Mari est historienne de l’art contemporain, spécialiste des échanges entre le cinéma et les autres arts. Son ouvrage Le Voyeur et l’Halluciné. Au cinéma avec l’Op Art vient de paraître aux Presses Universitaires de Rennes (collection « Le Spectaculaire »).

Amphithéâtre d’honneur

Projection de Page 1, un film de Valérie Mréjen avec Christian Boltanski, Peter Downsbrough, Annette Messager, Jean Michel Alberola, ainsi que les deux lauréats du Prix Bob Calle 2017, Francesc Ruiz et Stefan Sulzer.

L’association Bob Calle récompense chaque année, un livre d’artiste édité au cours des deux années précédentes. Ce film est réalisé à l’occasion de la présentation des livres sélectionnés pour le Prix Bob Calle en 2018. Les livres d’artistes sélectionnés par des experts de 10 pays, sont présentés dans la bibliothèque des Beaux-Arts du 11 au 29 mars.

Amphithéâtre des Loges

Julien Creuzet explore différents héritages culturels, associant le plus souvent poésie, chant, photographie, film et installation. Il combine ces médiums comme des langues qui s’enrichissent mutuellement ; leur (mé) tissage fait advenir des espaces, des coïncidences, des jeux à la fois précis et lâches qui laissent libre cours à l’imaginaire.

Son œuvre nous montre que ni l’identité de l’individu ni l’identité collective ne sont figées. L’échange se fait avec l’autre, sans reniement de soi. Julien Creuzet organise des passerelles entre les imaginaires de l’ailleurs, les réalités sociales de l’ici et les histoires minoritaires oubliées.

Né en 1986 au Blanc-Mesnil, Julien Creuzet est diplômé des Beaux-Arts de Caen, du post-diplôme des Beaux-Arts de Lyon et du Fresnoy-Studio national des Arts contemporains.
En 2017, il a participé à la 11e édition des Rencontres de Bamako et à la 14e Biennale de Lyon et, en 2018, à la 6e Biennale de Rennes et à l’exposition Le Centre ne peut tenir à Lafayette Anticipations.
Des expositions lui ont également été consacrées à la Fondation d’entreprise Ricard et à Betonsalon en 2018.

Caro Sposo donne carte blanche à Julien Creuzet pour imaginer un programme liant sa pratique vidéo à celles d’artistes dont il est proche.

Behavioral Matter

Un workshop de recherche-création pluridisciplinaire et international, pour explorer la notion de “comportement” par la pratique et en public, durant lequel la radio des Beaux-Arts (http://radiobal.fr/) émettra en continu !

Forum 0
Centre Pompidou, Paris
11h-19h
Vendredi 15, samedi 16 et dimanche 17 mars

L'approche singulière du workshop Behavioral Matter vise à interroger et à expérimenter la notion de comportement relative à la matière et aux matériaux, aux objets et aux techniques, ainsi qu’aux systèmes vivants ou semi-vivants. En portant toute notre attention à l’agentivité de la matière et en travaillant avec des matériaux et des systèmes actifs naturels et artificiels, suivant une approche désanthropocentrée, nous souhaitons expérimenter et ouvrir des perspectives de développement pour des oeuvres d’art et de design intégrant une exigence écosytémique et écologique. 

 Voir le programme

Amphithéâtre des Loges

Pièce exceptionnelle de la collection de manuscrits des Beaux-Arts de Paris, le Tractatus de Herbis est un herbier peint, réalisé entre 1370 et 1400 à Padoue. Ce manuscrit sur parchemin s’apparente à un recueil d’images, richement illustré, qui présente des plantes, des pierres et des animaux, classés par ordre alphabétique et ayant très certainement, comme l’ensemble des herbiers de l’époque, une vocation médicinale. L’absence de textes à l’exclusion des noms des éléments tracés à l’encre brune semble indiquer qu’il s’agit d’une copie non achevée.

La restauration entreprise à l’occasion de sa présentation à l’exposition « Vous avez dit mandragore ? une médecine médiévale » au Musée de Saint-Antoine l’Abbaye, a dévoilé de nombreux aspects encore méconnus de ce chef d’oeuvre italien.

Après une visite guidée de l’exposition « Léonard de Vinci et la Renaissance italienne » au sein de laquelle est exposé le Tractatus, Juliette Berli et Julie Tyrlik, restauratrices de l’atelier Coralie Barbe présenteront leur travail. Avec Iolanda Ventura, professeure associée de Latin Médiéval à l’Università degli Studi di Bologna, spécialiste de la transmission manuscrite des textes médiévaux de médecine, elles éclaireront les récentes découvertes faites sur l’exemplaire du Tractatus de Herbis conservé par les Beaux-Arts de Paris.

Visite de l’exposition « Léonard de Vinci et la Renaissance italienne » à 17 h.
Sur inscription à : alexandre.leducq@beauxartsparis.fr.
Vente du fac-simile de l’herbier à l’issue de la conférence.

À l’invitation
d’Alexandre Leducq, conservateur en charge des manuscrits
et imprimés anciens

Behavioral Matter

Un workshop de recherche-création pluridisciplinaire et international, pour explorer la notion de “comportement” par la pratique et en public, durant lequel la radio des Beaux-Arts (http://radiobal.fr/) émettra en continu !

Forum 0
Centre Pompidou, Paris
11h-19h
Vendredi 15, samedi 16 et dimanche 17 mars

L'approche singulière du workshop Behavioral Matter vise à interroger et à expérimenter la notion de comportement relative à la matière et aux matériaux, aux objets et aux techniques, ainsi qu’aux systèmes vivants ou semi-vivants. En portant toute notre attention à l’agentivité de la matière et en travaillant avec des matériaux et des systèmes actifs naturels et artificiels, suivant une approche désanthropocentrée, nous souhaitons expérimenter et ouvrir des perspectives de développement pour des oeuvres d’art et de design intégrant une exigence écosytémique et écologique. 

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Behavioral Matter

Un workshop de recherche-création pluridisciplinaire et international, pour explorer la notion de “comportement” par la pratique et en public, durant lequel la radio des Beaux-Arts (http://radiobal.fr/) émettra en continu !

Forum 0
Centre Pompidou, Paris
11h-19h
Vendredi 15, samedi 16 et dimanche 17 mars

L'approche singulière du workshop Behavioral Matter vise à interroger et à expérimenter la notion de comportement relative à la matière et aux matériaux, aux objets et aux techniques, ainsi qu’aux systèmes vivants ou semi-vivants. En portant toute notre attention à l’agentivité de la matière et en travaillant avec des matériaux et des systèmes actifs naturels et artificiels, suivant une approche désanthropocentrée, nous souhaitons expérimenter et ouvrir des perspectives de développement pour des oeuvres d’art et de design intégrant une exigence écosytémique et écologique. 

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Amphithéâtre du mûrier

L’hypnose est une pratique énergétique dont l’un des objectifs principaux est la (re)mise en mouvement. La manière dont cette technique travaille la question de la relation comme une collaboration, une alliance, en fait un outil précieux pour accompagner la création.

De la danse aux jardins, du film à l’hypnose, de l’art de la sieste à la cérémonie du thé, de la photographie au graphisme ou à la céramique, Catherine Contour transforme ces expériences en objets ou « rituels » proposant une bascule vers la fantaisie et l’imaginaire. À partir de la danse, son ancrage principal, elle explore depuis une quinzaine d’années les possibilités artistiques et pédagogiques de la technique hypnotique amplifiée de connaissances empruntées à divers arts du mouvement occidentaux et orientaux et conçoit pour les créateurs un outil original, basé sur l’émancipation, qui conjugue archaïsme et recherche de pointe.

Pascal Rousseau est professeur d’histoire de l’art contemporain à l’Université de Paris 1. Spécialiste des avant-gardes historiques, des liens entre arts, sciences et cultures techniques, il a assuré le commissariat des expositions « Aux origines de l’abstraction », au Musée d’Orsay, 2003, ; « Sous influence. Résurgences de l’hypnose dans l’art contemporain », au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, 2007; « Cosa mentale. Art et télépathie au XXe siècle », au Centre Pompidou, Metz, 2015.

Cette conférence donne lieu à un workshop les 20-21 mars 2019
(Sur inscription à : marie.johannot@beauxartsparis.fr)

À l’invitation
d’Ann Veronica Janssens, professeure aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

« Il faut écouter les acteurs, pas toujours, mais les écouter, tout en restant maître des décisions, afin de préserver la vue d’ensemble » in Le scénographe et le héron, Actes Sud, 1989.

Yannis Kokkos, né en 1944, est un artiste en mouvement. Scénographe et metteur en scène de théâtre et d’opéra d’origine grecque, il est venu en France en 1963 pour terminer ses études de scénographie à l’École supérieure d’art dramatique de Strasbourg. Dès lors, il travaille avec plusieurs metteurs en scène en France et en Europe. Entre 1969 et 1990, il mène une longue et intense collaboration avec le metteur en scène Antoine Vitez, avec des productions à la Comédie-Française, au Festival d’Avignon, au Piccolo Teatro de Milan et au Théâtre national de Chaillot. Il signe en 1987 sa première mise en scène, La Princesse blanche de Rilke. Suivront de nombreuses créations, dont les plus marquantes sont Macbeth pour l’Opéra de Paris, Pelléas et Mélisande à La Scala ou Boris Godounov au Staatsoper de Vienne. Son répertoire est extrêmement large. Il a mis en scène La Damnation de Faust de Berlioz au Théâtre du Châtelet, Tristes Tropiques de Aperghis à Strasbourg, Les Oiseaux de Braunfels à Genève, Les Troyens au Théâtre Mariinsky, Tristan et Isolde au Welsh National Opera et dernièrement Don Giovanni au National Center for Performing Arts de Pékin.

Il fera part de sa conception du spectacle vivant comme « totalité », s’attachant autant au texte, à la partition, à l’espace construit ou aux mouvements des comédiens. Il compose jusqu’aux costumes, structures et textures qu’il dessine et considère comme « la synthèse entre le code de représentation et la liberté du personnage et de l’acteur ».

En collaboration avec Rafaël Magrou, architecte, maître de conférences et responsable du studio “des univers scénographiques” (Master 1 en partenariat avec la Comédie-Française) à l’École nationale supérieure d’architecture Paris-Malaquais.

Salle de séminaire 1 B aux Loges

Qu’est-ce une table de montage ? Une surface de travail où l’on trouve des outils techniques. Pourtant, ce n’est pas seulement un dispositif matériel, mais un véritable espace de pensée. Souvent, pour les artistes qui travaillent avec le film et la vidéo, cet espace s’expose et devient le sujet même d’une réflexion sur leurs propres pratiques, en prenant en compte la spécificité de leurs propres moyens de production : deux monitors (Harun Farocki), des bouts de film 35 mm (Morgan Fisher) ou encore le desktop d’un ordinateur (Elizabeth Price).

Enrico Camporesi et Jonathan Pouthier travaillent au service de la collection film du Musée national d’art moderne – Centre Pompidou. Ils ont conçu et organisé plusieurs programmes de films/vidéos tels que Duchamp du film (2014), L’Exposition d’un film (2015 et 2016, en collaboration avec M. Copeland,), Metacartoons (2016), Pour une histoire de l’art projetée (2017).

Amphithéâtre des Loges

Par le biais d’installations, de sculptures, de films et de performances, le travail de Mark Geffriaud (né en 1977) joue avec les multiples représentations du temps et la construction de la mémoire. L’apparition (circulation) et la disparition (oubli) des images et des formes jettent les bases d’une archéologie fragmentaire dans laquelle le malentendu comme principe cognitif, joue une place importante.

Libres associations, voisinages formels et fausses fictions permettent à l’artiste de partager une perception du monde subtilement décalée. Les œuvres de Mark Geffriaud suggèrent un manque et dessinent un univers en creux que le visiteur est invité à combler de ses propres projections.

Les étudiants de l’atelier d’Emmanuelle Huynh exposent et s’exposent en continu de 18h à 22h.

Comment réconcilier performance, danse et arts plastiques dans une exposition qui réunit le travail de 24 étudiants ?
C’est également un jeu de regard proposé aux spectateurs, regard frontal ou regard oblique, soutenu ou en pointillé, une mobilité d’attention qui perturbe la frontière entre exposants et regardeurs.  

Commissariat: Marine Bikard et Béryl Coulombié

Palais des études
Entrée libre 

Amphithéâtre des Loges

Hijikata Tatsumi (1928-1986), créateur de l’Ankoku butō (Danse des ténèbres) à l’aube des années 1960 au Japon, révolutionna la notion de danse moderne, imposant un univers fantasmatique et transgressif, renversant toute notion d’harmonie ou de beauté chorégraphique. Artiste visionnaire, il accouche d’un corps humain difforme, souffrant, orgiaque et impie, d’une obscénité inacceptable dans une société en pleine normalisation consumériste. Son style puise à des sources hétéroclites, mêlant onirismes traumatiques de son enfance rurale et mondes artistiques hérétiques qu’il phagocyte et régurgite en une version érotique et grotesque inimaginable avant lui.

La présentation de l’univers fascinant du poète de la chair se basera sur une documentation visuelle et sur les études de Kurihara Nanako et Uno Kuniichi. Au-delà des mythes et légendes qui entourent le butō, nous tenterons de donner un accès concret au monde de Hijikata en révélant les implications éthiques, esthétiques et politiques de ses méthodes et de son art dans le Japon de son époque.

À l’invitation
de Clélia Zernik, professeure d’esthétique aux Beaux-Arts de Paris
et chercheure en art et cinéma japonais, qui anime
le séminaire annuel Désirs d’Asie.

Amphithéâtre des Loges

Leurs épouses, conjoints, leurs amoureux, leurs enfants, leurs neveux, leurs marchands, leurs collectionneurs, leurs amis... Longue est la liste de tous ceux qui, dans des rôles variés, deviennent des héritiers ou des mémorialistes. Si l’oeuvre de Bernard Dufour (1922-2016) apparaît aujourd’hui comme une des plus importantes, depuis les années 1960, l’itinéraire de l’artiste s’est fait dans un dialogue au long cours avec quelques proches (Robbe-Grillet, Denis Roche, Pierre Guyotat, Catherine Millet, Jacques Henric, Philippe Dagen…), autant que dans une distance résolue avec le « milieu ». Marc Desgrandchamps évoquera le monde des « familiers » du peintre dont il fit partie.

Ancien élève des Beaux-Arts de Paris, Marc Desgranchamps est artiste. Il a récemment publié « Lignes » (Galerie Lelong, 2017), ainsi qu’un recueil d’entretiens aux éditions d’Art Press (2014).

Cette conférence s’inscrit dans le cadre du programme de recherche « Les artistes et leurs familles » (Beaux-Arts de Paris/PSL/École du Louvre). Il consiste à étudier les multiples manières dont la mémoire matérielle et symbolique des artistes est saisie, dans leur vieillesse ou après leur mort, par leurs proches.

À l’invitation
de François-René Martin, professeur d’histoire de l’art
aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

Peter Klasen, né en 1935 à Lubeck en Allemagne, fait ses études aux Beaux-Arts de Berlin dans le même atelier que Georg Baselitz. Arrivé à Paris en 1959, il s’installe rue Bonaparte et rencontre la scène parisienne. Dans les années 1960, il devient l’un des principaux représentants de la Figuration narrative. Le musée d’Art moderne de la ville de Paris lui consacre une exposition dès 1971, sous le commissariat de Pierre Gaudibert et Suzanne Pagé. Le Tri Postal à Lille, lui a consacré une rétrospective en 2009.

Si ses premiers travaux sont des collages sur la société de consommation, il développe par la suite en peinture et dans des installations, un dispositif qui analyse la société actuelle et aborde les questions de l’enfermement (notamment avec une série sur le Mur de Berlin). Plus récemment, il a présenté des oeuvres numériques et des photos.

À l’occasion de la publication de ses écrits et entretiens :
Iconographie urbaine/la force des signes

Olivier Kaeppelin est un commissaire d’exposition, critique d’art et écrivain.
Il a été directeur délégué chargé des programmes à France Culture puis conseiller du président de Radio France pour et le développement de la politique culturelle du groupe de 1999 à 2004, directeur des Arts Plastiques du Ministère de la Culture de 2004 à 2010, puis directeur de la Fondation Maeght de 2011 à 2017.  

À l’invitation
de Pascale Le Thorel, responsable des éditions des Beaux-Arts de Paris

La construction de la femme artiste : déjouer ou dérégler les représentations

Attentifs au rapport entre l’art et les femmes, les philosophes ont quelques idées, et de la lucidité, dès qu’apparaît la possibilité d’une émancipation, voire de l’égalité des sexes. Dès le milieu du XVIIIe siècle, il devient urgent de mettre des limites. Rousseau et Kant s’en chargent, l’un en désignant des impasses propres à la créativité, l’autre en pensant un universel excluant. Or une dynamique d’affranchissement bouscule les paradigmes anciens, le rapport muse/génie ou le lien nudité féminine/vérité par exemple. Ce « dérèglement des représentations », se double de nouvelles problématiques avec le corps producteur et/ou reproducteur, ou la tension entre « s’expliquer » sur soi ou travailler à l’universel. La généalogie de la femme artiste indique trois axes de lecture : les sujets uniques qui s’affirment par des pratiques nouvelles (voix, danse) ; les démarches d’inclusion classique comme dans la littérature ou les beaux-arts ; les aventurières qui s’emparent des moyens nouveaux, photo, cinéma. Ces dynamiques soulignent non seulement un fait d’émancipation mais une intervention du point de vue de l’art même. Geneviève Fraisse propose de parcourir les chemins empruntés par les femmes artistes depuis deux siècles pour franchir les obstacles ou, parfois, tout simplement, les ignorer.

Geneviève Fraisse est philosophe, historienne de la pensée féministe, directrice de recherche émérite au CNRS. Elle travaille sur l’épistémologie politique de la pensée féministe (concepts de l’émancipation citoyenne et artistique).

Elle a publié notamment: Muse de la raison, démocratie exclusive et différence des sexes (1989,2017), A côté du genre, sexe et philosophie de l’égalité (2010), Les excès du genre, une enquête philosophique (2004,2019), La sexuation du monde, réflexions sur l’émancipation (2016).

À l’invitation
de Gwendoline Allain responsable des relations internationales aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges – Entrée libre

Amphithéâtre de morphologie
Entrée libre

100 ans après sa naissance en 1918, 50 ans après sa dissolution en mai 68, l’association des anciens élèves des Beaux-Arts de Paris reprend forme, sous le nom : Le Cercle Chromatique.

Le Cercle Chromatique vise à rassembler, soutenir et mettre en avant les anciens des Beaux-Arts de Paris partout dans le monde, en créant des liens intergénérationnels et des passerelles entre toutes les pratiques artistiques issues des Beaux-Arts.

Le Cercle Chromatique vous propose des rendez-vous les samedis après-midi, en donnant carte blanche à des anciens de l’École.

www.lecerclechromatique.org

Corps et Artivisme
Une proposition de Sarah Trouche, artiste plasticienne, performeuse et metteur en scène diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2007, invite les étudiants et anciens étudiants de l’École à participer à son édition « Corps et Artivisme » en s’attachant au thème « Peut-on s’affranchir du passé ? ».
Sur cette thématique, critiques d’arts, artistes de l’école des Beaux-arts de Paris, anciennes générations mais aussi actuelles, prennent la parole (10 minutes) vocalement ou corporellement en interrogeant la place qu’occupe aujourd’hui le passé dans le développement des questionnements artistiques. Ce manifeste intergénérationnel est une invitation à faire se rencontrer et mettre en avant les artistes issus de l’École.