Riches de plus de 40 000 dessins d’architecture, les Beaux-Arts de Paris dévoilent cet automne une partie de cette collection, en exposant trente-quatre aquarelles portant sur des projets conçus lors de la formation des jeunes architectes sous le Second Empire. Les dessins exposés, datés entre 1848 et 1867, constituent une véritable mémoire visuelle de l’enseignement académique et un miroir où se reflètent les modes architecturales de cette seconde moitié du xixe siècle.

Commissaire : Emmanuelle Brugerolles
2 octobre 2018 – 11 janvier 2019
Cabinet des dessins Jean Bonna, Palais des Études
Vernissage lundi 1er octobre à 18 h

Amphithéâtre des Loges

Après des études à l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg, et au Fresnoy (Studio national des arts contemporains) Clément Cogitore développe une pratique à mi-chemin entre art contemporain et cinéma. Mêlant films, vidéos, installations et photographies, son travail questionne les modalités de cohabitations des hommes avec leurs images. Il y est le plus souvent question de rituels, de mémoire collective, de figuration du sacré ainsi que d’une certaine idée de la perméabilité des mondes.

Clément Cogitore a été récompensé en 2011 par le Grand prix du Salon de Montrouge, puis nommé pour l’année 2012, pensionnaire de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis. Ses films ont été sélectionnés dans d’importants festivals internationaux (Cannes, Locarno, Los Angeles, San Sebastian…) et ont été récompensés à plusieurs reprises.

Son travail a également été exposé et projeté dans de nombreux musées et centres d’art (Palais de Tokyo, Centre Pompidou, Ica London, Moma New-York…). En 2015, son premier long-métrage Ni le ciel, Ni la terre a été récompensé par le Prix de la Fondation Gan, au Festival de Cannes, salué par la critique et nominé pour le César du meilleur premier film. En 2016, il reçoit le Prix Sciences Po pour l’Art Contemporain et le 18e Prix de la Fondation d’Entreprise Ricard pour l’art contemporain. En 2018, il est nommé par l’Adiaf (Association pour la Diffusion Internationale de l’Art Français) pour Le Prix Marcel Duchamp. 

Amphithéâtre des Loges

Jean-Michel Meurice, peintre et cinéaste, est né en 1938 à Lille. Dans les années 70, ses recherches s’inscrivent dans la génération Supports/Surfaces. Réalisateur de quelque 50 films documentaires, il fonde la chaîne Arte en 1986 et la dirige jusqu’en 1989. 

Dans « Plein cadre » ouvrage publié par les éditions des Beaux-Arts en 2018, il dévoile ses « vérités successives » dans un grand entretien avec Maurice Fréchuret. Cet échange passionnant et inédit est suivi d’écrits de l’artiste, des années 1970 à aujourd’hui, et est illustré de nombreuses photos d’artistes. Au fil du livre, il nous entraîne dans le sillon des rencontres qui ont jalonné sa vie.

Maurice Fréchuret, historien de l’art et conservateur, a dirigé le musée Picasso d’Antibes et le CAPC (Musée d’art contemporain de Bordeaux). Il a publié le Mou et ses formes aux éditions des Beaux-Arts.

Dominique Païni, a été le directeur du Studio 43, salle de cinéma parisienne qui était consacrée exclusivement à revisiter l’histoire du cinéma français. Distributeur et producteur de films, il a été le directeur fondateur des productions audiovisuelles et cinématographiques du Musée du Louvre de 1987 à 1991. De 1991 à 2000, il dirigeait la Cinémathèque française.

Amphithéâtre des Loges

Maurizio Cattelan : Be Right Back, première réalisation de Maura Axelrod, braque les projecteurs sur l’insaisissable Maurizio Cattelan, de sa jeunesse à sa rétrospective au musée Guggenheim à New York en 2011. Qu’il ait réalisé des oeuvres provocatrices telles que La Nona Ora, avec le pape Jean-Paul II frappé par une météorite, ou Now, son sosie en cire dans un cercueil ouvert (exposé dans la Chapelle des Petits Augustins, aux Beaux-Arts de Paris en 2004), ou qu’il ait fait exploser les ventes aux enchères, est un fait, et on l’apprécie ou pas. Mais qu’il ait sans cesse su renouveler son projet artistique subversif, qu’il ait usé de la duperie d’un double dans ses interviews, qu’il ait fait croire à l’interruption de sa carrière d’artiste, ce qui a tout l’air de Fake news, est aussi vrai. Voilà autant de supercheries ou de postures que met bout à bout ce film drôle, désopilant et soulevant sans détour la question : qui est l’artiste ? La réalisatrice Maura Axelrod a travaillé comme scénariste et productrice pour Abc News à New York, puis pour Aptv, réalisant des reportages sur les guerres d’Irak et d’Afghanistan. Depuis six ans, elle se consacre, comme productrice et réalisatrice, au monde de l’art.

En présence de Patrick Javault, critique d’art et commissaire d’exposition indépendant (Lettres, Sorbonne Paris IV). Il a longtemps été conservateur au Musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg où il a été responsable de la programmation de l’auditorium qui devient un lieu de références pour le cinéma expérimental et documentaire ainsi que pour la musique expérimentale. Son érudition brasse autant la matière artistique que filmique. Maurizio Cattelan : Be Right Back, Bow and Arrow Entertainment, Mudam, Luxembourg City Festival, anglais, sous-titre en anglais, 95 min, Usa, 2016

En collaboration avec SensoProjekt

Amphithéâtre des Loges

Frédérique Loutz est née en Lorraine en 1974. Le dessin est son territoire d’expression. L’histoire de l’art en est le paysage où elle chasse des figures qui produisent un écho entre les tableaux qu’elle aime et les dessins qui l’occupent et la définissent. Depuis 15ans, Floutz multiplie les techniques tout en conservant un goût pour les classiques, de la nature morte au portrait. Les dessins, d’abord de grand format à l’aquarelle où l’autobiographie se maquillait de caractères mythologiques ont cédé la place à des représentations plus sobres à l’encre noire, orientées vers les standards de la peinture, dont les thématiques étaient principalement le fait des hommes : Vierge à l’enfant, Cruxifiction et autre Nu descendant l’escalier. Le dessin est probablement le seul médium qui, dans un même et simple mouvement, permet de synthétiser ce que l’on perçoit, en laissant agir la mémoire tout en affinant une forme de pensée en devenir : relever le patrimoine en analysant les oeuvres pour révéler un devenir. Pensionnaire de la Villa Médicis, résidente au Château de Chambord et Ciav de Meisenthal, Floutz a été professeur aux Beaux-Arts de Marseille.

Amphithéâtre des Loges

Depuis maintenant vingt ans, le Collectif Jeune Cinéma, coopérative de diffusion de cinéma expérimental, organise le Festival des cinémas différents et expérimentaux de Paris. Du 3 au 14 octobre auront lieu plus d’une vingtaine de projections, allant d’une compétition internationale des séances thématiques qui travaillent un motif, un concept, des formes et qui proposent un regard en biais sur le cinéma.

La séance proposée aux Beaux-Arts est à la croisée des arts plastiques, de la performance, de l’art vidéo, du cinéma expérimental, du documentaire, du film d’artiste, du journal filmé, le tout sur le thème du déchet, du rebut, de la déjection, de ce qui est « caché ». Des oeuvres majeures, des classiques du cinéma, des premiers films, des perles rares.

Stock Exchange Transplant, Douglas Collins, (performance de Denis Oppenheim), 15 min, 1969, Résurrection, Daniel Spoerri & Tony Morgan, 9 min, 1968-1969, Mothlight, Stan Brakhage, 4 min, 1963, Rouge, Alice Heit, 14 min, 2012, Vague Baignoire, François Gagelin, 2 min, 2015, Excavation, Avi Dabach, 6 min, 2013, L’Île aux fleurs, Jorge Furtado, 13 min, 1989, Smashing de Jimmie Durham, (extrait), 2004, L’Homme qui tousse, Christian Boltanski, 3 min, 1969, L’Homme qui lèche, Christian Boltanski, 2 min 30 s, 1969.

Séance présentée par Gérard Cairaschi, cinéaste et enseignant

En collaboration avec le Collectif Jeune Cinéma et le 20e Festival des Cinémas différents et expérimentaux de Paris

Amphithéâtre des Loges

En tant qu’artiste, Richard Venlet explore notamment les questions liées à l’architecture des espaces d’exposition. Ses préoccupations architecturales se retrouvent aussi dans les scénographies originales qu’il a créées, notamment celle du Cabinet d’Amis de Jan Hoet en 2016, du Musée Absent au Wiels en 2017, ainsi que celle de l’exposition du salon de design Collectible en 2018. Son travail a été exposé dans des musées et des galeries de renommées nationales ou internationales comme Bozar à Bruxelles, la Kunsthalle à Düsseldorf, le Smak à Gand, Macba à Barcelone et le Frac Île-de-France à Paris.

L’objectif du séminaire Arp est de créer un dialogue avec des intervenants du milieu artistique ou culturel, artistes, commissaires d’expositions, critiques, historiens, conservateurs et directeurs de musées, écrivains et éditeurs, autour d’une question commune. Ces rencontres se déroulent suivant un principe fondamental, propre au programme : croiser les expériences et les univers. Elles s’articulent autour de deux axes principaux : Usage et exposition du document et Développer/montrer

Amphithéâtre des Loges

Tout juste sorti de prison, assis dans sa voiture, Joseph boit du café glacé, fume des cigarettes et filme des vidéos hd maison. Il vit aux États-Unis, un pays qu’il aime, mais un pays en train de disparaître devant ses yeux. Ses discours sont un voyage hallucinant et halluciné dans la psyché américaine, une Amérique profondément réactionnaire et sauvage. Réalisateur, artiste produisant des installations et performances, Dominic Gagnon est né en 1974 à Rimouski, au Québec. Depuis une vingtaine d’années, il travaille exclusivement à partir d’images issues du web.

Il fait ce qu’il appelle lui-même du « saved footage » : au fil des ans, il sauvegarde des vidéos YouTube marginales, souvent vouées à disparaître parce qu’elles ne génèrent pas de vues et que leur contenu peut être jugé offensant. Ces vidéos deviennent le matériau de base de ses films. Seuls face à leur webcam, les protagonistes évoquent leur vie, leurs angoisses, leur vision de la société. En explorant un sujet précis avec des mots clés, Dominic Gagnon récolte ces vidéos et tente, par la technique du collage, de créer pour tous ces gens une véritable communauté. Il se voit comme un « archéologue numérique », donnant à des images préexistantes une seconde vie et permettant leur pérennisation.

En 1998, l’Association des Critiques de Cinéma du Québec lui attribue le Prix Claude-Jutra du Meilleur jeune réalisateur. En 2013, il obtient le Grand Prix de la Compétition nationale aux Rencontres Internationales du Documentaire de Montréal pour Hoax-Canular. Il est régulièrement invité à présenter son travail dans les festivals internationaux.

Big Kisses Tonight. Vidéo Hd, 61 min, 2012

Palais des Beaux Arts

 Les trois expositions de rentrée sont inaugurées au Palais des Beaux-Arts :

- Nairy Baghramian, invitée d’honneur du festival d’Automne à Paris exposera des œuvres créées in situ, selon sa démarche critique qui interroge les rapports de l’œuvre à l’institution.

- Georges Focus, la folie d’un peintre de Louis XIV, fera découvrir au public le destin exceptionnel d’un artiste de cour dont la production personnelle est d’une grande intensité 

- Robert Walser, Grosse kleine Welt Grand petit monde, met en lumière les microgrammes du célèbre écrivain suisse.

Ouverture à partir du 13 octobre tous les jours sauf le lundi, de 13h à 19h.

Amphithéâtre du mûrier

Dans le cadre du séminaire Désirs d’Asie (d’Antoine de Baecque et Clélia Zernik) et en lien avec la programmation d’Asia Now, les Beaux-Arts de Paris organisent une semaine spéciale consacrée au Japon. En 2018, la France et le Japon fêtent leurs 160 ans de relations diplomatiques et sous l’appellation Japonismes, proposent une série de manifestations à Paris et en région jusqu’en février 2019.

Les Beaux-arts de Paris, s’inscrivant dans ce programme proposent plusieurs conférences et discussions : partant du débat sur les Avant-gardes dans la photographie japonaise, le cycle se prolongera en interrogeant le choc de Fukushima le 11 mars 2011 et ses répercussions sur les oeuvres ainsi que sur les modes de production, et donnera la parole à des artistes essentiels de la scène contemporaine japonaise, trop rarement entendus en Europe

Lilian Froger, d’une part et Bruno Fernandes, inaugurent le cycle Désirs d’Asie : Japon, en évoquant respectivement le statut de la photographie et les actions du groupe Zero Jigen. Depuis les années 1950, le support imprimé a été pour les photographes japonais le principal vecteur de diffusion de leurs images, au détriment de l’exposition. Presque soixante-dix ans plus tard, que reste-il de cet engouement ? En abordant les questions de mise en page, de mise en séquence et de contenu des images, il s’agira de définir certaines spécificités de la scène photographique au Japon, à l’appui d’exemples de livres et de magazines parus dans les dernières décennies.

Lilian Froger est historien de l’art et critique. Ses recherches portent principalement sur la photographie japonaise des années 1950 à nos jours et interrogent les relations entre photographie, édition et exposition. Zero Jigen, groupe de happening le plus radical de l’antiart (han-geijutsu), opéra une guérilla contre-culturelle au moyen de rituels (gishiki) obscènes dans l’espace public d’un pays en surcroissance qui niait ses réalités sociétales (crise politique, pollutions, Viêt-Nam). Bruno Fernandes, chercheur indépendant, dirige la collection Délashiné ! (Presses du réel) consacrée aux contre-cultures japonaises du xxe siècle.

Amphithéâtre des Loges

Si la catastrophe est absolue rupture et non-sens, elle appelle plus que jamais le sens et la mise en image : voir la catastrophe, comprendre la catastrophe deviennent d’immédiates visées pour ceux qui la vivent, à distance ou non. Représenter la catastrophe qu’elle advienne ou non, est une exigence. La catastrophe est un non-sens qui appelle immédiatement l’expression. Et cette exigence n’est pourtant pas sans soulever des cas de conscience et paradoxes. De fait, l’événement catastrophique semble déborder aussi bien les catégories de l’entendement que les limites de l’imagination. Plus encore, c’est la question même du figurable et de la visibilité qu’il pose. Comment rendre compte d’une telle catastrophe dans son ampleur et dans la césure qu’elle fonde ? C’est à ce nouveau défi, inédit et vertigineux, que se trouvent confrontés les artistes japonais après la triple catastrophe du 11 mars 2011 – tremblement de terre, tsunami, accident nucléaire.

Table-ronde avec : Teppei Kaneuji, Atsunobu Katagiri, Meiro Koizumi, animée par Clélia Zernik

Amphithéâtre des Loges

Makoto Aida est né en 1965 à Niigata, au Japon. Après une formation à la peinture à l’huile aux Beaux-Arts de Tokyo, il multiplie ses modes d’expression et ses supports pour interroger les frontières du contemporain et du pré-moderne de l’Est et de l’Ouest, revisitant ironiquement des thématiques proprement japonaises, comme la beauté des jeunes filles, la guerre, la culture des salarymen. Si ses peintures peuvent choquer, elles se déploient parallèlement à plusieurs niveaux et questionnent en profondeur notre société. Makoto Aida utilise également une large gamme de supports, comme les installations, la performance, les films, le manga. En raison de la beauté plastique de ses oeuvres, de leur puissance provocatrice et de leur humour, il est considéré au Japon comme l’une des figures prééminentes de la scène contemporaine japonaise, aux côtés de Takashi Murakami et Yoshitomo Nara. Il est exposé dans le monde entier et une très grande rétrospective personnelle lui a été consacrée en 2012 au Mori Art Museum, intitulée « Monument for Nothing ». Il reviendra sur ses trente ans de carrière au Japon, en présentant des oeuvres variées.

Avec Clélia Zernik et Adoka Niitsu, traductrice.

Amphithéâtre des Loges

Jeremy Wafer is an artist and Professor of Fine Art at the University of the Witwatersrand, Johannesburg, South Africa. His work engages with the politics and poetics of space and place with recent work focussing on issues of land and territory, location and dislocation, possession and dispossession. He works in both gallery and site specific work in sculpture, photography and drawing.

“I have regarded the practice of art as a form of critical enquiry, as conceptually reflective research. ¶ The first phase of work dating from the early 1980’s was directed towards reflections on repression and militarization in South Africa. The dominant theme in this series of works in sculpture, drawing and photography was that of the ‘border’ understood as a political, geographical and psychological barrier. ¶ A new phase of work became evident around 1994 with a series of works which attempted to integrate aspects of African sculpture into a broadly post minimalist sculptural style. This work is characterised by rhythmic patterns of surface intensification and by the use of natural materials deriving from indigenous healing practices. ¶ Starting in the early 2000’s, my work has been largely focused on issues of land and territory, themes of location and dislocation, of possession and dispossession. I have been interested here in investigating the ways in which the meanings of place and site are produced within specific personal and political histories and conditions and the ways in which sculpture, photography and other artistic processes may be used also. I have used photography as a tool to record and document […] a mode of working in a systematic way more characteristic of scientific processes than of ‘art’ photography.”

Amphithéâtre du mûrier

Naoya Hatakeyama est un photographe japonais né à Iwate. Il est également professeur de photographie à l’Université des Beaux-arts de Tokyo. Depuis les années 1980, il a développé un travail en grande partie centré sur une vision architecturale et paysagère de la Nature, influencé par son intérêt pour les sciences et l’archéologie de la ville.

Des premières photographies de mines de calcaire (Lime Hills, 1986-1991) aux souterrains de la ville de Tokyo (Underground), il pose le même regard poétique et méticuleux sur des sites qui accueillent à la fois les hommes et la civilisation. Son travail a notamment connu un grand tournant avec le tsunami de 2011, puisque sa ville natale a été entièrement détruite par les flots. Il y consacre depuis de nombreux travaux (Kesengawa, Rikuzentakata). Naoya Hatakeyama reviendra sur ses trente ans de productions photographiques et sur sa place sur la scène de la photographie japonaise.

À la suite de la conférence, projection du film de Jean-Luc Vilmouth, Lunch Time, réalisé un an après le tsunami, sur la côte dévastée de Yamamoto-cho dans le district de Myagi, à cinquante kilomètres de la centrale nucléaire de Fukushima Daïchi.

Le film relate le projet consistant à faire participer une trentaine de survivants à un grand repas organisé pour l’occasion, face à la mer, là où il y avait mille maisons. L’organisation du repas, sa mise en place, sa dégustation, jusqu’au rangement, sont le support de l’oeuvre dont l’ambition est de capter la parole des survivants de cette communauté, qui a subi les effets conjugués du tsunami et des explosions de la station nucléaire de Fukushima.

Chapelle des Petits-Augustins

Parallaxe, performance pour 4 projecteurs 16 mm mobiles, triple-écran, couleur et noir & blanc, son direct, 35 min, 2017.

« La parallaxe est l’incidence du changement de position de l’observateur sur l’observation d’un objet. ». Travail sur la notion de géométrie et d’espace au cinéma, depuis l’espace plan du photogramme jusqu’à l’espace scénique de sa représentation, ce projet met en lumière un objet multi-facettes. Les différentes surfaces qui circonscrivent l’écran, les déplacements des projecteurs sur des rails, les changements d’angles de projection et les interventions en direct proposent aux spectateurs plusieurs axes de vision simultanés. Parallaxe souligne les transports de l’image et leur capacité à modifier la perception que l’on a d’une même réalité. Associées au dispositif de prise de son direct, les images graphiques de Nominoë s’en trouvent déconstruites et leurs virtualités décuplées. La diffusion sonore spatialisée immerge l’auditoire dans ce dispositif multidimensionnel, à la fois plateau de tournage, salle de cinéma et film.

A l’invitation de Monique Bonaldi, enseignante vidéo aux Beaux-Arts de Paris

Par Gabrielle Durand

Amphithéâtre des Loges

Le début du xxe siècle en Europe voit émerger une interrogation sur la douleur individuelle amorcée au cours du siècle précédent avec l’affranchissement de la tutelle religieuse et l’avènement de la médecine moderne. Catalysée par la naissance de la psychanalyse, la reconnaissance de la douleur morale ouvre, d’un point de vue pictural, vers la mise en image de la souffrance intime, dans un contexte d’effondrement de l’humanisme et de culminance de la violence propres aux crises de la première moitié du siècle. De Munch à Artaud, nous assistons au témoignage d’une douleur quotidienne et existentielle, à la frontière de la pathologie. La psychiatrie vient parfois prendre une place déterminante dans ces séquences autobiographiques, alors qu’elle en est à ses balbutiements empiriques.

Gabrielle Durand a étudié la médecine à Lyon, après son internat de médecine générale à Saint-Étienne. Sa thèse d’exercice portait sur les représentations de la douleur dans les peintures et lithographies européennes, des prémices de l’art moderne à la fin de la seconde guerre mondiale.

Elle a exercé successivement dans deux centres de soins d’addictologie parisiens, avant de commencer une activité à l’Hôpital Bichat en service d’addictologie et de psychiatrie.

À l’invitation de Philippe Comar, professeur aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

Philippe Duboÿ est architecte et historien de l’art, professeur d’histoire de l’architecture et de l’urbanisme (à Venise, Nantes, Paris Belleville, Saint-Étienne, Lyon et Paris La Villette). Ses recherches ont fait l’objet de nombreuses publications, parmi lesquelles sa thèse de doctorat, Lequeu, une énigme (Ed. Hazan), son travail sur les écrits de Le Corbusier (par exemple Aircraft, Ed. Parenthèses) ou récemment avec les architectes Clotilde et Bernard Barto, pour le texte de leur livre L’Échelle des marées (Ed. Coiffard).

En 2014 il a publié (Ed. Jrp Ringier/Coll. Maison Rouge) un ouvrage entièrement consacré aux travaux scénographiques de l’architecte italien Carlo Scarpa (1906-1978). Dès 1975, l’historien de l’art André Chastel écrivait : « Beaucoup de voyageurs d’Italie le connaissent sans l’avoir identifié : c’est le plus grand scénariste d’exposition d’art qui existe là-bas, et sans doute dans toute l’Europe. ». Philippe Duboÿ, qui l’a connu et a eu accès à de nombreuses archives, a réuni les rares textes autographes de Carlo Scarpa et une expographie détaillée, de 1935 aux années 1970.

Lors de cette présentation il reviendra sur ses projets muséographiques, mais aussi sur des scénographies d’expositions temporaires comme ses réalisations pour la Biennale de Venise, celles conçues pour monographies de Piet Mondrian et Marcel Duchamp, ses collaborations avec Lucio Fontana et Arturo Martini

Amphithéâtre des Loges

Depuis plusieurs années, Charlotte Charbonnel semble vouloir tisser les liens invisibles qui unissent les matières élémentaires de l’univers. Son travail découle d’une recherche empirique à entrées multiples : écoute et capture de matériaux ou de phénomènes naturels, exploration des différents états de la matière, observation méticuleuse de substances insaisissables… Elle trouve ainsi dans les fluides indécis, les ondes capricieuses, les nuées, fumées, ou autres formes brumeuses, un terrain d’expérimentations illimité. Elle en suit les traces, les archive ou les collectionne. L’auscultation méticuleuse de la nature a conduit l’artiste à s’intéresser de près aux fluides ou aux vibrations mécaniques des matériaux : chants des cailloux dans une rivière, sifflement du vent islandais… Le son s’est révélé être un moyen évident de captation et de transmission. Lorsqu’elle confronte son et architecture, la recherche de la nature cachée des éléments prend parfois la forme d’une enquête géologique : sonder le bâtiment pour révéler les couches invisibles de ses sédiments, ses flux et énergies impalpables. Les différents processus qu’elle met en place laissent faire le mouvement et l’indétermination… En suivant des protocoles précis qui donnent à percevoir différemment un phénomène complexe, l’artiste crée un terreau fertile à l’imaginaire. Elle revisite avec enchantement les formes qui ont toujours exercé une fascination sur les Hommes : celles qui se situent dans l’interaction des quatre éléments ou la nature élémentaire de l’univers, rendant la vision d’un ciel étoilé ou le spectacle de la formation des nuages magnétisants.

Nathalie Desmet

A l'invitation de Luc Chopplet, responsable de la Via Ferrata