Amphithéâtre des Loges

Donna Haraway, éminente philosophe, primatologue et féministe, a bousculé les sciences sociales et la philosophie contemporaine en tissant des liens sinueux entre la théorie et la fiction. Elle s’est fait connaître à partir des années 1980 par un travail sur l’identité qui, en rupture avec la pensée dominante, oeuvre à subvertir l’hégémonie de la vision masculine sur la nature et la science. L’auteure du Manifeste Cyborg est aussi une incroyable conteuse qui dépeint dans ses livres des univers fabuleux peuplés d’espèces transfuturistes.

Le réalisateur Fabrizio Terranova a rencontré Donna Haraway chez elle en Californie. À partir de discussions complices sur ses recherches et sa pensée foisonnante, il a construit un portrait cinématographique singulier qui immerge le spectateur dans un monde où la frontière entre la science-fiction et la réalité se trouble. Le film tente de déceler une pensée en mouvement, mêlant récits, images d’archives et fabulation dans la forêt californienne.

Fabrizio Terranova est cinéaste, activiste, dramaturge et professeur à l’ERG (École de Recherche Graphique) à Bruxelles, où il codirige le Master « Récits et expérimentation/Narration spéculative » depuis 2014. Il réalise des films expérimentaux et écrit. Il est l’auteur de l’article Enfants du compost dans l’ouvrage collectif Gestes spéculatifs (Les Presses du réel, 2015).

Un film produit par Atelier Graphoui et Spectre Productions, anglais (VOSTF), 81 minutes, Belgique, 2016.

Amphithéâtre des Loges

Née en 1980 à Århus (Danemark), Mette Ingvartsen étudie à Amsterdam, puis à Bruxelles où elle obtient en 2004, le diplôme de P.A.R.T.S.
Depuis 2002, elle mène différents projets de recherches et réalise de nombreuses performances dont : Manual Focus (2003), 50/50 (2004), To Come (2005) et Why We Love Action (2006).

Se servant d’archives, réactivant des performances artistiques célèbres, ou à partir de de ses propres pièces liées à la sexualité, à la nudité, à la perception et aux affects, elle explore les liens entre intimité et espace public. Ses projets les plus récents questionnent les modes de perception et de réception du spectateur comme c’est le cas dans It’s In The air (en collaboration avec Jefta Van Dither), présenté dans le cadre du festival Mettre en Scène en 2009, et aussi dans Giant City ou Evaporated Landscapes.

Au-delà de sa pratique performative, elle développe un travail d’écriture et de documentation. Depuis 2005, elle oeuvre ainsi à Everybody, projet collaboratif dont l’objet est de produire des jeux et des outils utilisables par tous.

À l’invitation d’Emmanuelle Huynh.
En collaboration avec le Festival d’Automne, à l’occasion du spectacle To Come (extended) présenté au Centre Pompidou, du 5 au 8 octobre 2017.

Amphithéâtre du mûrier

L’impression est le domaine de prédilection de Benjamin Badock (né en 1974 en Allemagne). Par ses explorations, il travaille un usage expérimental et inhabituel des techniques d’impressions. Il lie son oeuvre à sa vision de l’architecture, aux grandes questions de l’humanité et à celles, plus infimes, du quotidien (qui touchent presque à l’abstraction).

De 2001 à 2008, il étudie à l’Académie des Arts de Tallin en Estonie et à l’Université d’Art de Brauschweig en Allemagne. En 2009, il suit la masterclass du professeur Olav Christopher Jenssen.

Benjamin Badock partage son temps entre Leipzig et Hanoi. Depuis le mois de mai, il est résident à la Cité Internationale des Arts où il a obtenu une bourse du gouvernement allemand. En 2014, il a été lauréat du Spengel-Preis pour l’image, à Hanovre. En 2016, il est nommé pour le Prix Quen Sonja Print Award à Oslo.

À l’invitation de Wernher Bouwens, professeur aux Beaux-Arts de Paris.

Amphithéâtre du mûrier

Cette conférence proposera un cheminement dans Untilled (2011-2012), oeuvre majeure que Pierre Huyghe a conçue pour la Documenta 13.

Avec les notes de travail de l’artiste comme boussole, il s’agira de s’orienter dans une pièce conçue pour développer une vitalité propre. Construite sur un compost et ouverte au gré du vent, Untilled a une forme bien spécifique et noue d’étranges alliances, par décentrements, séparations, effondrements. Tout en avançant dans sa description, des fils seront tirés depuis l’histoire de l’art, la philosophie contemporaine et les conditions de notre présent, afin de mettre en lumière quelques questions que cette pièce pose, ainsi que les promesses qu’elle porte.

Flora Katz est critique d’art, curatrice et doctorante associée à l’institut ACTE (Arts, créations, théories et esthétique – CNRS/Université Paris I).
Sa thèse examine les rapports entre le tournant métaphysique en philosophie contemporaine et l’art contemporain, à partir du travail de l’artiste Pierre Huyghe. Elle collabore avec des artistes, des revues (Artpress, Mouvement) et des institutions en tant que curatrice (dont récemment la Fondation Ricard ou la Fondation Lafayette Anticipations).

Au DOC, Flora Katz co-développe le projet de l’Université Libre.

Amphithéâtre des Loges

Pour la saison théâtrale 2017-2018, le T2G (Théâtre de Gennevilliers) et l’IRCAM, s’associent pour quatre spectacles et installations.
Deux événements présentés à la rentrée, font l’objet de cette rencontre :

Mon Corps parle tout seul
du 14 au 25 septembre

Installation-performance, qui réunit un écrivain, Yoann Thommerel, un compositeur, Daniele Ghisi, et le metteur en scène Daniel Jeanneteau.

Les Aveugles
du 16 au 25 septembre

De Maeterlinck, mise en scène de D. Jeanneteau. « Douze aveugles en pleine nature attendent le retour d’un prêtre qui les a guidés jusque-là. Mais ce prêtre est mort parmi eux ». Un travail d’ingénierie et de design sonore élaboré avec l’IRCAM est intégré au dispositif scénique : ni costumes, ni lumières, ni déco – mais un espace commun qui emmène le public et les acteurs dans une même expérience de l’instant.

Après des études à Strasbourg aux Arts décoratifs et au TNS, Daniel Jeanneteau conçoit les scénographies de Claude Régy durant une quinzaine d’années. Il collabore également avec de nombreux metteurs en scène et chorégraphes : C. Diverrès, J.-C. Gallotta, N. Leriche, Trisha Brown, J.-F. Sivadier, P. Rambert… Depuis 2001, il crée ses propres spectacles, en collaboration avec Marie-Christine Soma. Il dirige le T2G depuis janvier 2017.

Ingénieur du son et acousticien à l’IRCAM, Sylvain Cadars est titulaire d’un diplôme en acoustique du CNAP et d’un master de recherche ATIAM, à Paris-Jussieu. Il participe à des concerts, enregistrements et opéras dans le domaine de la musique mixte -contemporaine et électronique.

Il collabore avec des compositeurs (Alberto Posadas, Boulez, Hector Parra) et des metteurs en scène (Luke Perceval, Guillaume Vincent…).

Amphithéâtre des Loges

Né en 1974 à Bruxelles, Michael Van den Abeele est un artiste qui développe une pratique plurielle des formes : peinture, mobilier, installation, écriture.

Ses sources d’inspiration sont variées : de The Shape of Time (1962) de George Kubler à l’album Songs for Drella (1990), dédié à Andy Warhol, réalisé par John Cale et Lou Reed, en passant par des disciplines et genres telles que la paléontologie, la science-fiction, l’exotisme, l’art décoratif et l’architecture.

Parmi les expositions les plus récentes de Michael Van den Abeele, on peut relever p p p punctual à la galerie Levy-Delval (Bruxelles), Relax, à Trampoline (Anvers), Opacity Please, au Museum Leuven, (Louvain).
En septembre 2017, il présente l’exposition We already exist chez Gaudel de Stampa, à Paris. Il participera à la biennale de Chicago en collaboration avec Peter Wächtler et le bureau d’architecture Office Kersten Geers David Van Severen, avec qui il collabore régulièrement.
Michael Van den Abeele est membre du lieu d’expositions Établissement d’en face à Bruxelles depuis quinze ans. Il enseigne à la Haute École d’Architecture Saint-Lucas à Gand et à Bruxelles. Il a publié un ouvrage, Forked Apologies, chez Forest publications (2017), composé d’écrits sur ou pour d’autres artistes. Il sera cette année en résidence à la Cité des Arts de Paris.

Palais des Beaux-Arts

Karla Black
Après Venise, Londres, Los Angeles et New York, l’artiste écossaise Karla Black présentera aux Beaux-Arts de Paris, à l’occasion de la 46e édition du Festival d’Automne à Paris, sa première exposition monographique en France.
À partir des matériaux simples et des jeux de couleurs qui caractérisent son travail, elle produira une oeuvre inédite pour la salle Melpomène du Palais des Beaux-Arts.
Karla Black utilise des matériaux de la vie quotidienne tels que papier toilette, coton, savon, cellophane, cosmétiques, ainsi que des matériaux relevant du champ de l’art comme le plâtre ou les pigments colorés.
Si son travail fait référence à la peinture et à la sculpture, ses oeuvres défient les limites du cadre et la gravité de la matière.
Elles constituent une recherche subtile sur la lumière, la couleur, la fluidité, l’évanescence des formes. Certaines oeuvres relèvent du geste, à la lisière de la performance, et sont de véritables propositions immersives que le spectateur expérimente physiquement et visuellement sans aucun recours à la narration, à la représentation ou à la métaphore. La plupart du temps réalisées in situ, elles prennent en compte leur lieu d’apparition.
D’une extrême fragilité, les formes aériennes ou déposées délicatement sur le sol offrent une sensation d’immatérialité. J.-M. Prévost.
Karla Black est née en 1972 à Alexandria (Écosse). Elle vit à Glasgow.
Dans le cadre du Festival d’Automne, le travail de Karla Black est aussi exposé dans les salons de l’hôtel de Soubise aux Archives Nationales.
Une production du Festival d’Automne en collaboration avec les Beaux-Arts de Paris et le Musée des Archives nationales.
Avec le soutien des galeries Gisela Capitain (Cologne) et David Zwirner (New York/Londres), de Lafayette Anticipations – Fonds de dotation Famille Moulin, de Fluxus Art projects, et de Sylvie Winckler.

Per Kirkeby
L’exposition organisée aux Beaux-Arts dans le cadre exceptionnel de la Cour vitrée du Palais des études, explore pour la première fois en France, une particularité de l’oeuvre de l’artiste danois Per Kirkeby.
Très tôt dans sa carrière, Kirkeby introduit dans son travail de grandes sculptures en briques qui ponctueront l’ensemble de son parcours.
Alors qu’une centaine de ces pièces ont été construites, et que les archives de l’artiste font état d’innombrables plans et projets non aboutis, à ce jour, aucune exposition n’a été exclusivement dédiée à ce corpus.
Pour la Cour vitrée des Beaux-Arts, Per Kirkeby propose une sélection de douze pièces incluant une construction monumentale, un groupe de trois sculptures planes et un ensemble inédit de huit stèles.
Participant de l’art minimal au milieu des années 1960, mais construites dans un matériau à la charge symbolique forte, ces sculptures échappent rapidement à l’esprit de leur temps. Initialement conçues pour les musées et galeries, ces formes ambiguës, qui empruntent à l’architecture ses techniques et parfois son échelle, ont, pour beaucoup d’entre-elles, trouvé place dans les parcs ou les rues de villes européennes, notamment en Allemagne, aux Pays-Bas et dans les pays scandinaves. Prenant place dans le décor coloré de la Cour vitrée, les douze pièces en briques de Kirkeby occuperont un lieu étroitement lié à l’histoire de la sculpture qui fut destiné, pendant près d’un siècle, de 1874 à 1971, à la présentation de moulages en plâtres, copies d’après l’antique qui servaient de modèles pour l’apprentissage du dessin.
Per Kirkeby, né en 1938 à Copenhague, a développé une oeuvre singulière, ancrée dans l’histoire de l’art – des maîtres allemands et français du XIXe siècle aux mouvements expressionnistes des années 1980 – et marquée, dès le commencement, par ses études en géologie.

Architecture de l’avant-garde russe
Dessins de la collection Serguei Tchoban
L’exposition présente un ensemble de dessins d’architectes russes rassemblés par l’architecte et collectionneur Serguei Tchoban et montrés pour la première fois en France. Fin 2011, les Beaux-Arts de Paris avaient dévoilé au public un autre aspect de sa collection, portant sur le néoclassicisme.
Les dessins exposés aujourd’hui, témoignent de l’extraordinaire essor qu’a connu l’architecture officielle pendant les deux premières décennies du pouvoir soviétique (1920 et 1940). Les nouveaux programmes liés aux transformations de la société suscitent alors de nouvelles idées architecturales parmi les professionnels et les jeunes diplômés des nouvelles écoles. Les dessins exposés (environ 40) rendent compte aussi bien des commandes publiques du nouvel État, que des approches novatrices de ces concepteurs.
Jusqu’en 1932, date charnière dans son histoire, l’architecture russe se caractérise par son aspect expérimental très fécond, lié notamment à l’enseignement délivré au sein de Vkhoutémas, ateliers de formation artistique, où une pédagogie radicale est adoptée. La première manifestation qui reflète ces idées nouvelles est l’exposition agricole et artisanale de 1923 à Moscou, qu’illustrent un vaste programme d’ensembles architecturaux et l’apparition de pavillons originaux comme ceux d’Andréi Bourov et de Ilia Golossov.
Le mouvement constructiviste voit ses plus belles inventions minimalistes se concrétiser dans les projets de Kirill Afanasiev, Moisséi Guinzbourg et surtout d’Iakov Tchernikhov. Une grande partie de l’exposition est consacrée à l’élaboration du mausolée de Lénine, monument symbolique de la Moscou bolchévique, conçu par Alexéi Chtchoussev pour la place rouge. Enfin, les projets soviétiques élaborés à partir de 1932, sont incarnés par de grands réalisations monumentales comme le palais des soviets de Boris Iofan, resté inachevé, le théâtre de Meyerhold à Moscou, ou encore le centre gouvernemental de Kiev.

Commissaires
Jean-Louis Cohen, professeur à la New-York University et Emmanuelle Brugerolles, conservateur des dessins, chargée du Cabinet Jean Bonna

Amphithéâtre des Loges

Au cours des dix dernières années, le travail de Karla Black a fait l’objet d’une trentaine d’expositions monographiques. Le corpus récent de ses interventions s’avère donc très important si l’on considère que ses oeuvres prennent le plus souvent place in situ. Le projet développé pour la salle Melpomène du Palais des Beaux-Arts ayant été conçu comme un prolongement et une mise en perspective des recherches de l’artiste, la conférence sera l’occasion de revenir sur les fondements et les développements de son oeuvre.

L’artiste s’entretiendra avec Thierry Leviez, responsable de la programmation artistique aux Beaux-Arts de Paris (traduction consécutive de l’anglais au français).
Dans le cadre de l’exposition de Karla Black présentée quai Malaquais, au Palais des Beaux-Arts du 20 octobre au 7 janvier.

Une production du Festival d’Automne à Paris, en collaboration avec les Beaux-Arts de Paris et le Musée des Archives nationales. Avec le soutien des galeries Gisela Capitain (Cologne) et David Zwirner (New York/Londres), le soutien de Lafayette Anticipations – Fonds de dotation Famille Moulin, de Fluxus Art projects et de Sylvie Winckler.

Photo: Simon Vogel
Karla Black
Appears Peripheral, 2016 (detail)
Plaster powder, cosmetic articles, glitter, toilet paper
10 x 1017 x 398 cm
Courtesy Galerie Gisela Capitain, Cologne; Galleria Raffaella Cortese, Milan; Modern Art, London; and David Zwirner, New York/London

Amphithéâtre du mûrier

Les grottes de Dunhuang (IVe – XIVe s.) constituent le plus riche et le mieux préservé des sanctuaires d’art bouddhique. Elles rassemblent différentes formes artistiques : architecture, peinture, gravure et sculpture.

Oasis de Chine située en plein désert de Gobi, le site de Dunhuang est classé au patrimoine mondial de l’Unesco. Il a fait l’objet, en 1908, de l’une des plus fabuleuses découvertes de manuscrits bouddhistes, tous antérieurs au Xe siècle, par l’orientaliste français Paul Pelliot (1878-1945).

Ce site majeur des Routes de la soie est devenu le point focal vers lequel convergent tous les musées du monde en raison de l’attrait de son patrimoine ancien et, plus récemment, contemporain.
En dépit des vicissitudes de l’Histoire, des déprédations commises par l’homme et des dommages causés par l’action conjointe du vent et du sable, cet ensemble rupestre, composé principalement des grottes de Mogao, des grottes de Yulin et des cavernes des Mille Bouddhas de l’est et de l’ouest, a su conserver 492 grottes et cavernes abritant plus de 45 000 m2 de fresques et plus de 2 000 sculptures peintes.

Dunhuang était une des quatre préfectures de la Région à l’ouest du Fleuve (Hexi), instituées par l’empereur Wudi des Han, et une florissante ville frontalière, noeud de communications entre l’Est et l’Ouest.
Christophe Comentale est conservateur en chef au Muséum national d’histoire naturelle et conseiller scientifique pour la Chine au Musée de l’Homme.

Amphithéâtre du mûrier

Depuis au moins 35 000 ans, les images figuratives et abstraites occupent l’univers des hommes modernes de la préhistoire. Dès leur arrivée en Europe occidentale, l’art gravé, sculpté et peint naît sur des armes, des outils et d’autres objets sans fonction apparente. Il est intimement associé au quotidien. Il inonde également les parois des abris rocheux et des grottes, parfois placé loin du temps et de l’espace des hommes. L’art des grottes, également appelé « art pariétal », se confond avec la nature minérale dont il tire une force et une originalité unique dans l’histoire des arts. À l’ombre des stalactites, les premiers artistes ont probablement vécu des expériences sensibles et symboliques exceptionnelles durant près de 25 millénaires.

Patrick Paillet est docteur en Préhistoire, maître de conférences du Muséum national d’Histoire naturelle (spécialiste des comportements symboliques des hommes préhistoriques). Il est membre de la commission Nationale des Monuments Historiques (6e section « Grottes ornées »), et expert en matière de mobilier archéologique auprès du Conseil National de la Recherche Archéologique (CNRA).

Amphithéâtre des Loges

Après des études de lettres, Noémie Lvovsky suit les cours d’analyse de films de Jean Douchet : une rencontre décisive. Elle intègre ensuite La Fémis, dont elle sort diplômée en 1990. Dès 1988, elle écrit et réalise Dis-moi oui, dis-moi non, avec notamment, Valéria Bruni-Tedeschi et Emmanuelle Devos.

Sa rencontre avec les deux actrices marque le début d’une longue série de collaborations. Scénariste, elle a collaboré avec Arnaud Desplechin pour La vie des morts et La Sentinelle, avec Philippe Garrel pour le Coeur fantôme, et avec Valérie Bruni-Tedeschi pour Un château en Italie, avec laquelle elle adapte également Trois soeurs, pour la télévision. Réalisatrice, elle tourne Oublie-moi en 1995, La vie ne me fait pas peur en 1999, Les sentiments en 2003 et reçoit le Prix Louis Delluc et le César du meilleur film en 2004.

En 2012, son sixième film, Camille redouble, reçoit le Prix de la SACD à Cannes, et le Prix Variety Piazza au Festival de Locarno. Depuis 2001, elle est également comédienne, jouant dans Ma femme est une actrice d’Yvan Attal, Rois et reine d’Arnaud Desplechin, Actrices de Valérie Bruni-Tedeschi, Les Beaux gosses de Riad Sattouf, L’Apollonide de Bertrand Bonello, Les jours venus de Romain Goupil, Les adieux à la reine de Benoît Jacquot, Adieu Berthe et Comme un avion de Bruno Podalydès…

Noémie Lvosky, nommée professeur à la rentrée 2017, enseignera le cinéma, nouvelle discipline aux Beaux-Arts de Paris.

Amphithéâtre des Loges

Le projet Art in situ est né au sein du chantier de rénovation du Musée de l’Homme – MNHN : il a consisté en une place laissée libre à l’expression de six artistes plasticiens, qui ont pu concevoir et réaliser, chacun, une création artistique au coeur du musée, durant le temps de sa rénovation. Leurs propositions plastiques ont tenu compte du programme scientifique du musée, de l’histoire du bâtiment et des conditions particulières de travail sur un chantier en activité.
Les productions qui en ont résulté se sont toutes finalement inscrites sur les murs, qu’elles soient dessinées, peintes, martelées ou projetées.
La confrontation pariétale s’est révélée inéluctable pour les intervenants.
Alain Cardenas-Castro, muséographe, ancien élève des Beaux-Arts (atelier de fresque) a conçu le projet Art in situ en 2013 au Muséum national d’Histoire naturelle.