Francis Alÿs est né en 1959 à Anvers (Belgique). Il vit à Mexico. Architecte de formation, il s’est tourné vers les arts plastiques dans les années 90. Ses œuvres ont été montrées internationalement, par exemple à la Biennale de la Havane en 1994, à la Whitechapel Art Gallery de Londres en 1997, à MetroPicture de New York en 1999 et à l’Arc à Paris dans le cadre de l’exposition Da Adversidade Vivemos en 2001. Il a également eu des expositions personnelles au Museo de Arte Moderno de Mexico en 1997, à la Lisson Gallery de Londres en 1999, en France au Musée Picasso d’Antibes en 2001 et à la Collection Lambert en Avignon en 2003. Son travail est représenté par la Lisson Gallery de Londres et par la galerie Peter Kilchmann à Zürich.

L’œuvre protéiforme de Francis Alÿs intervient dans un champ de pratiques diverses, de la peinture à la performance. La notion d’action comme modeste exploit, souvent associée à l’idée de marche urbaine, est récurrente dans le travail de l’artiste. Ces actions qui ne mènent en apparence à rien, comme pousser lentement un bloc de glace dans la rue jusqu’à ce qu’il soit complètement fondu, sont alors transcendées en un geste extra ordinaire.

Mark Bain est né en 1966 à Seattle (USA) et vit à Amsterdam (Pays-Bas). Il a étudié au Massachusetts Institute of Technology de Boston en 1998, puis en résidence à la Rijksakademie à Amsterdam jusqu’en 2001. Ses projets ont été montrés à la Fondation De Appel à Amsterdam en 1999, à l’Expo 2000 à Hanovre, au Rooseum à Malmö (Suède) en 2001 et à la Edith-Ruß-Haus à Oldenburg (Allemagne) en 2003. A l’exception d’une exposition personnelle en 2001 à la galerie Romain Larivière à Paris, il a rarement exposé en France.

Mark Bain produit des installations sonores basées la captation d’ultrasons émis par des sites industriels grâce à des appareils sismiques, d’infra-sons subliminaux ou de fréquences radio propres à un lieu donné. L’artiste réalise aussi des performances dans lesquelles il fait par exemple trembler une architecture par la diffusion de fréquences vibratoires. C’est par une analyse scientifique des composants intrinsèques du son que Mark Bain propose d’expérimenter les limites de la perception.

Marie Cool est née en 1961 en France. Elle a une formation en danse contemporaine. Fabio Balducci est né en 1964 en Italie. Il a une formation d’artiste plasticien. Ils travaillent ensemble depuis 1995 et vivent à Paris. Leurs performances ont été présentées en Suisse (Attitudes à Genève en 2000, à Fri-art à Fribourg en Suisse, en 2002) au Royaume-Uni (South London Gallery en 2001, festival New Moves à Glasgow en 2003) et en France (Public à Paris en 2000, Centre culturel suisse à Paris en 2003).

Les performances de Marie Cool et Fabio Balducci sont des séquences qui durent à peine quelques minutes. Piochant dans un réservoir d’éléments issus du quotidien tels qu’un sac en plastique, un élastique ou des miettes de pain, Marie Cool, effectue seule ces performances, entreprend des micro-actions qui confèrent à l’éphémère du quotidien une forte charge émotionnelle. Par leur précision et leur simplicité, ces gestes plongent les spectateurs dans un état particulier de silence et de concentration.

Marcel Dinahet est né en 1943 à Plouigneau (France) et vit à Rennes. Plongeur et paysagiste, il commence dans les années 90 à montrer son travail de sculpture et de vidéo. Il a réalisé des expositions personnelles au Grand Café de Saint-Nazaire en 2000, au Quartier de Quimper en 2001 et à la galerie Le Sous Sol à Paris et à la chapelle du Genêteil, en 2002. Ses œuvres sont dans les collections des Frac Bretagne, Basse Normandie, Languedoc-Roussillon et du Fnac.

L'œuvre de Marcel Dinahet, liée à une pratique singulière de plongée sous-marine, a pour sujet privilégié les états changeants du littoral et des fonds aquatiques. Au-delà de cette attirance pour la mer, ce qui fait l’intérêt d’un tel travail est le questionnement plus large qu'il implique sur les limites de la perception. Le niveau de l’eau, entre terre et mer, devient une métaphore pour exprimer les concepts d’intervalle, de frontière, d’entre-deux. En filmant le paysage par brouillage, flou et frottement, Marcel Dinahet développe une œuvre qui associe à la perte de repères spatiaux une remise en question de notre appréhension de la nature.

Ceal Floyer est née en 1968 à Karachi (Pakistan). Elle vit et travaille à Berlin. Elle a étudié au Goldsmiths College de Londres. Ses œuvres ont été montrées lors d’expositions personnelles au Kunstlerhaus Bethanien à Berlin en 1998, à la Kunsthalle de Bern (Suisse) en 1999, à l’Ikon Gallery de Birmingham (Royaume-Uni) en 2001 et à Index à Stockholm en 2002 et à Portikus, Francfort, en 2003. En France elle a participé aux expositions de groupe « Life /Live » à l’Arc à Paris en 1997, La Répétition : la tête dans les nuages à la Villa Arson en 2000 et « Comment rester zen » au Centre culturel suisse à Paris en 2003. Elle est représentée par la Lisson Gallery à Londres et par Casey Kaplan à New York.

Le travail minimal de Ceal Floyer se compose de vidéos, projections de lumière et diffusions sonores, d’œuvres sur papier et de pièces sculpturales. Requérant un examen attentif de la part du spectateur, ses œuvres procèdent de minutieuses manipulations spatiales et d’agencements d’objets de la vie courante. Lorsqu’ils sont mis en situation par l’artiste, des objets tels qu’un sac poubelle, un interrupteur ou une ampoule acquièrent une nouvelle réalité naissant du décalage entre contenu et contenant, illusion et réalité, raison et absurde.

Myriam Gourfink, chorégraphe, est née en 1968 dans l’Oise (France). Kasper T. Toeplitz, compositeur et bassiste électrique, est né en 1960 à Varsovie (Pologne). Ils travaillent ensemble depuis 1999 et vivent à Paris. Depuis sa première chorégraphie (Beth, 1996), Myriam Gourfink a présenté ses créations en France, à la Ménagerie de Verre, au Centre national de la danse et au Centre Pompidou, et à l’étranger notamment à l’Académie der Künste à Berlin, au Tanzquartier à Vienne et au Kunsten Festival des Arts à Bruxelles. Kasper T. Toeplitz travaille de manière « mutante », collaborant autant avec des institutions de musique contemporaine (Ircam, Grm, Gmem, etc) qu’avec des musiciens de la scène électronique ou « noise » (Art Zoyd, Eliane Radigue, Phill Niblock, Zbigniew Karkowski,etc).

La danse de Myriam Gourfink procède d’une concentration extrême du geste résultant d’une maîtrise de la respiration et du système musculaire. Retenues et lentes, ses chorégraphies explorent les micromouvements du corps, dans un rapport souvent contraint à l’espace ou au vêtement. Depuis 1999, elles s’accompagnent de la musique électronique de Kasper T. Toeplitz, qui leur confère un état de suspension hypnotique. Récemment, Myriam Gourfink a créé un langage chorégraphique à partir de la notation historique « Laban » sur un logiciel de composition du mouvement (LOL) lui permettant d’interpréter une partition dansée en temps réel.

Graham Gussin est né en 1960 à Londres où il vit. Il a eu des expositions personnelles à l’Ikon Gallery de Birmingham (Royaume-Uni) et au New Museum de New York. Il a récemment été co-commissaire de l’exposition très remarquée Nothing autour de la notion de vide dans l’art contemporain, qui s’est déroulée à la Northern Art Gallery à Sunderland (Royaume-Uni), au Rooseum de Malmö (Suède) et au Cac de Vilnius (Lituanie) en 2001. Son travail est représenté par la galerie Chantal Crousel à Paris et la Lisson Gallery à Londres. A l’exception d’une exposition personnelle à la galerie Chantal Crousel à Paris en 2001 et de certaines œuvres achetées par le Frac Languedoc-Roussillon, son travail a rarement été montré en France.

Le travail de Graham Gussin prend des formes diverses, du dessin au film 16 mm, de l’installation in situ à la photographie. Son approche de l’art se situe dans une lignée d’artistes conceptuels des années 60-70, références auxquelles il combine un intérêt pour le cinéma, des films de Tarkovski à la science-fiction. Son travail cherche à retranscrire de manière visuelle des atmosphères et des situations littéraires, cinématographiques et musicales, pour expérimenter les décalages entre réalité et fiction tout en explorant les notions d’invisibilité et de vide.

Ann Veronica Janssens est née en 1956 à Folkestone (Royaume-Uni). Elle vit à Bruxelles. Elle a participé aux Biennales de Sydney en 1998 et de Venise en 1999 où elle occupait le Pavillon belge avec Michel François. Elle a exposé ses œuvres en 1997 au Rooseum de Malmö dans le cadre de l’exposition On the Sublime…, au Mukha d’Anvers en 1997 et à Utrecht en 1999 dans l’exposition Superspace, où 13 projets différents étaient exposés dans toute la ville. Après la Kunsthalle de Berne l’année dernière, une importante exposition personnelle lui est consacrée cette année au Mac de Marseille. Elle est représentée par la galerie Micheline Szwajcer à Anvers, Schipper-Krome à Berlin et 130 PE à Los Angeles.

Ann Veronica Janssens élabore des sculptures, des installations in situ et des environnements qui jouent avec la perception du spectateur en le plaçant au centre de son œuvre. Poursuivant de manière contemporaine des recherches sur la notion d’espace, notamment liées à la perspective, ses œuvres emploient souvent la lumière, la couleur, le son ou le brouillard pour créer une perte de repères avec un minimum de moyens formels.

Fiorenza Menini est née en 1972 à Montpellier (France). Elle est actuellement en résidence à l’ISCP à New York. Elle a présenté ses œuvres à l’occasion d’expositions personnelles à la galerie Yvon Lambert en 2001, à la galerie Taché-Levy à Bruxelles. Depuis 2000, elle a réalisé 7 performances, suite à des commandes notamment de Mains d’Oeuvres à Saint-Ouen, du Palais des expositions à Rome ou du centre d’art Le Plateau à Paris.

Depuis 1999, Fiorenza Menini s’applique à représenter de manière abstraite une notion étirée du temps, filmant et performant des situations d’attente, des activités non productives ou à perte, par exemple des surfeurs attendant la vague sans fin. En parallèle à ses vidéos, Fiorenza Menini a développé un travail de performances dans lesquelles des danseurs mêlés au public se prêtent à l’exercice d’attendre, d’esquisser un geste ou de tomber.

Jiro Nakayama est né en 1961 à Tokyo (Japon) et vit depuis une quinzaine d’années à Paris. Il a étudié au Japon dans le domaine de l’environnement, puis a été diplômé de l’Ensba de Paris en 1992 et a suivi les cours de l’Institut des hautes études en arts plastiques. Il a présenté ses œuvres à l’occasion d’expositions personnelles à la Box de Bourges en 1994 et la galerie Le Sous Sol à Paris en 2001. Il a également exposé dans les expositions collectives Paris pour escale à l’Arc à Paris en 2000, Le Détour vers la simplicité au Confort Moderne à Poitiers en 2001 et Les Heures claires à la Villa Savoye à Poissy (France) en 2002.

Jiro Nakayama, au travers d’installations sonores et lumineuses, cherche à modifier notre perception de la réalité ou de l’espace architectural à un niveau « infra-ordinaire » Depuis ses études scientifiques au Japon l’artiste a développé une approche micro-physique de notre environnement qui s’attache à en analyser les éléments les plus imperceptibles. Par des jeux d’inversion entre ce qui est vu et ce qui est entendu, il en révèle les variations infimes, les particules et les silences.

Carsten Nicolai est né en 1965 à Karl-Marx-Stadt (Allemagne) et vit à Berlin. Après des études de paysagisme il a créé en 1996 son propre label de musique électronique, raster-noton. Internationalement reconnu à la fois par la scène musicale et par celle de l’art contemporain, il a réalisé des projets pour la Documenta X, pour les Biennales de Venise 2001 et 2003, la Triennale d’Eichigo Tsumari (Japon) en 2003 et l’exposition Frequencies [Hz] à la Schirn Kunstalle à Francfort en 2002. A l’exception de l’exposition Nano à la galerie Fraich’attitude à Paris en 2003, ses œuvres visuelles n’ont été montrées que très rarement en France. Il est représenté par la galerie Eigen + Art à Berlin et Leipzig.

Carsten Nicolai réalise des installations dans lesquelles les éléments sonores (musique électronique) et visuels (dessins, photographies, sculptures) interagissent. Décriptant le son des appareils et des phénomènes naturels à un niveau microscopique, il en explore les oscillations les plus infimes. Ses œuvres sont une traduction visuelle de ses expérimentations sonores et comportent le même souci d’abstraction. En tant que musicien sous le pseudonyme « noto » ou « alva-noto », Carsten Nicolai réalise également des performances de musique électronique accompagnées de projections.

Frédéric Nogray est né en 1971 et vit à Paris. Il a collaboré avec plusieurs artistes, musiciens, chorégraphes, dans des contextes très divers. Ses installations ont été présentées dans les expositions We don’t play à la Ménagerie de Verre à Paris (octobre 2003) et au Winkelcentrum à Maastricht (novembre 2004). Son premier album CD, intitulé Panotii, est sorti le 1er septembre 2003 sur le label français N-REC (www.n-rec.com).

Les concerts, performances et installations sonores de Frédéric Nogray se définissent par leur contexte architectural et par le devenir aléatoire du son, généré dans le temps. Sa matière sonore provient de prises de son ou de cessions d'improvisations dans lesquelles l’artiste met en défaut le son des appareils analogiques (filtre, table de mixage…) traité, ou non, en temps réel avec un ordinateur portable. Explorant ainsi le moindre larsen naissant de l’amplification du silence, Frédéric Nogray développe une réflexion sur la perception du son qui en révèle le potentiel émotionnel et « intra-psychédélique ».

Roman Ondák est né en 1966 à Zilina en Tchèquie. Il vit à Bratislava (Slovaquie). Il a exposé au Ludwig Museum de Budapest en 1999. Ses œuvres ont également été présentées lors de Manifesta 1 à Rotterdam en 1996, en 1999 dans l’exposition After the Wall au Moderna Museet de Stockholm, à Manifesta 3 à Ljubljana en 2000, à la Biennale de Venise en 2003. Il aura une exposition monographique au Kunstverein de Cologne en mars 2004. Il est représenté par la galerie & : gb agency, à Paris.

Le travail de Roman Ondák fait appel à des matériaux pauvres, qu’il magnifie et transforme dans une démarche liée au contexte social. Il réalise également des installations qui jouent sur la perception du spectateur. Cherchant à lier le travail artistique avec une mémoire collective plus large, sa démarche consiste souvent à demander à des « non artistes » de son entourage de dessiner ou de réaliser des maquettes de monuments internationalement connus, d’après ses propres descriptions ou d’après l’idée qu’ils s’en font sans jamais avoir pu les visiter.

Roman Signer est né en 1938 à Appenzell (Suisse). Il vit à Saint Gall (Suisse). Il a exposé internationalement, notamment au Skulptur Projekte de Münster en 1997, au Swiss Institute de New York en 1997, et au Pavillon suisse de la Biennale de Venise en 1999. La même année, une rétrospective lui a été consacrée au Bonnefanten Museum de Maastrich, puis au Camden Arts Centre de Londres en 2002 et à la Haüser & Wirth Collection à Saint Gall en 2003. Il est représenté par la galerie Art : Concept à Paris.

Roman Signer réalise depuis 1973 des « actions-sculptures » qui résident en la mise en place de micro événements générant des résultats dérisoires et absurdes. Les matériaux qu’il utilise, afin de produire ces actions, consistent en des fusées, armes à feu ou explosifs mais aussi en de simples objets de la vie courante tels que des outils, des bottes de caoutchouc, des ballons de baudruche ou des feuilles de papier blanc. En prise directe avec la nature symbolisée par ses quatre éléments, ces incidents viennent perturber les clichés d’une nature suisse immaculée, dans une entreprise d’échec à répétition profondément existentielle.

Annika Ström est née en 1964 à Helsingborg (Suède) et vit à Berlin. Après des études d’art à Copenhague, elle a été invitée en résidence à Delfina à Londres en 2000 puis par Iaspis à Stockholm en 2001. Son travail est beaucoup montré dans les pays scandinaves et germaniques (Wiener Secession, Vienne et Vidéodrome, Copenhague en 2000, Iaspis Gallery, Stockholm en 2001), et bien qu’il soit présent dans les collections françaises (Fnac) il n’a jamais été montré à Paris. Elle est représentée par les galeries Drantmann à Bruxelles, Atle Gerhardsen à Berlin et Casey Kaplan à New York.

Annika Ström écrit des chansons appartenant au registre pop qu’elle accompagne de vidéos et d’installations (dessins, objets, photographies). Ses mélodies sont produites avec des moyens volontairement modestes et avec un mini synthétiseur comme unique instrument. Associant les paroles compilées sous forme de clips à des scènes de la vie quotidienne, les vidéos expriment des situations en apparence banale, mais chargées d’émotion et de romantisme avec une maladresse délibérée, qui se jouent du sentimentalisme généralement associé à la figure de l’artiste femme et aux clichés nordiques.

Joëlle Tuerlinckx est née en 1958 à Bruxelles où elle vit. Son travail a été présenté internationalement suite aux invitations, entre autres, de Cathy de Zegher, Chris Dercon et Bart de Baere. Ses récentes expositions ont eu lieu à la South London Gallery de Londres en 2002, à Documenta XI puis à la Renaissance Society de Chicago en 2003. En France, elle a eu une importante exposition au Frac Champagne Ardennes en 1999 et a participé à l’exposition de groupe subréel au Mac de Marseille, en 2002. Elle est représentée par la galerie Stella Lohaus à Anvers et par argos à Bruxelles.

Joëlle Tuerlinckx réalise des sculptures, collections d’objets, diapositives et vidéos combinés qui traduisent de manière singulière son univers personnel, mis à distance par une grande attention portée aux formes. S’inscrivant dans une histoire de l’art minimal et conceptuel propre à la Belgique, l’apparente rigueur formelle du travail de Joëlle Tuerlinckx révèle une observation des phénomènes éphémères, présents dans la vie de tous les jours tels que les mouvements du soleil ou la traversée de paysages, avec l’intention de saisir l’évolution temporelle des choses sensibles.

John Wood est né en 1968 à Hong Kong (Chine). Paul Harrison est né en 1966 à Wolverhampton (Grande-Bretagne). Les deux artistes ont toujours travaillé ensemble et vivent à Bristol (Royaume-Uni). Leurs vidéos ont été présentées dans le cadre des expositions Instant au Camden Arts Centre de Londres en 1996, New Video from Great Britain au Museum of Modern Art de New York en 1997 et Triple X à Amsterdam en 1999. Leurs récentes expositions personnelles ont eu lieu en 2002 à la Chisenhale Gallery de Londres puis en 2003 à la galerie fa projects de Londres, qui représente leur travail. En France, leur travail n’a que récemment été découvert dans l’accrochage des collections du Centre Pompidou en 2003 et au Printemps de Septembre à Toulouse la même année.

Les vidéos de John Wood et Paul Harrison mettent en scène des actions filmées qui interrogent la résistance du corps à un espace donné, le légendaire « white cube ». Toujours vêtus de manière neutre, leur corps est un matériau d’expérimentation, au même titre que leur matériel d’atelier et des éléments du quotidien qu’ils utilisent pour perturber ce cube blanc avec un humour glacé. Sous le rationalisme de déclinaisons infinies de positions calculées au millimètre près, se cache une réflexion sur la défaillance de notre condition humaine.

John Seth est né en 1962 à Calcutta (Inde). Anne Tallentire est née en 1949 à Portadown, Co. Armagh (Irlande du Nord). Ils vivent à Londres et travaillent en collaboration depuis 1993 et depuis 1997 sous le nom de work-seth/tallentire. Choisie pour représenter l’Irlande à la Biennale de Venise de 1999, Anne Tallentire a montré son travail à la Lux Gallery de Londres en 1999 et dans l’exposition Neue Welt au Frankfurter Kunstverein en 2001. Elle enseigne au St Martin’s College of Art and Design de Londres. John Seth, théoricien de formation, enseigne à Middlesex University et écrit régulièrement dans des publications. Ils ont exposé ensemble à la Orchard Gallery de Derry (Irlande) en 2000 et à la South London Gallery de Londres la même année.

Le travail de work-seth/tallentire se compose d’interventions et de performances minimales dans l’environnement urbain qui, filmées et combinées à un agencement d’objets, constituent le matériau, souvent en évolution, de leurs expositions. Sans être ouvertement politiques, leurs installations sont implicitement marquées par des questions de territoire, de frontière et d’identité en rapport à la situation politique de leurs pays respectifs d’origine vis-à-vis du Royaume-Uni. C’est dans une démarche d’« invention du quotidien », que work-seth/tallentire se situe, recyclant avec subtilité et poésie les résidus de notre civilisation.